{"title":"Nouveautés","description":"\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e","products":[{"product_id":"kristin-mckirdy","title":"Kristin McKirdy","description":"\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm\"\u003e\u003cb\u003eExpositions: \u003c\/b\u003e\n\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm\"\u003e\u003cb\u003eCité de la céramique, Sèvres, 12\nseptembre 2012 – 14 janvier 2013 \u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm\"\u003e\u003cb\u003eMusée des Arts décoratifs,\nBordeaux, 28 février – 28 mai 2013\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm\"\u003e\u003cb\u003eLa Piscine, Roubaix, octobre 2013 –\njanvier 2014\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm\"\u003e\u003cbr\u003e\n\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm\"\u003eNée au Canada de parents américains,\nmais vivant en France depuis son plus jeune âge, Kristin McKirdy\ns’est abreuvée aux sources des différentes cultures auxquelles\nelle s’est trouvée confrontée. Elle a suivi des études\nd’histoire de l’art à Paris et de beaux-arts à l’université\nde Californie, Los Angeles (UCLA). Sa vocation de céramiste fut pour\nelle le moyen de réaliser une synthèse libre et enrichissante\nd’influences parfois antagonistes.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm\"\u003eSon itinéraire professionnel se vit\ncomme une suite de défis et de questionnements. La connaissance\napprofondie de l’histoire de sa discipline et la parfaite maîtrise\nde ses savoir-faire conditionnent à ses yeux l’épanouissement\nd’une production originale et puissante.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm\"\u003eTout en demeurant convaincue que son\nart devait rester ancré dans ces traditions, elle a appris des\nartistes céramistes, notamment Adrian Saxe et Kenneth Price, que le\ntemps était venu pour la céramique de s’affranchir de son\nenfermement dans le monde des arts décoratifs pour s’inscrire dans\nla grande nébuleuse des arts plastiques.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm\"\u003eÉtrangère au débat d’arrière-garde\nqui agite la scène européenne, elle bâtit sa carrière avec une\nfoi et un détachement absolu de qualité indispensable pour\ntransformer toute inquiétude existentielle ou métaphysique en un\nterreau fertile, aux origines de toute création. Forte et fragile,\nKristin McKirdy livre une œuvre savante et spontanée, rigoureuse et\nsensible. Jouant avec virtuosité des archétypes universels (vases,\ncoupes, bols, amphores) qui peuplent sa discipline, elle fait naître\nde ses mains des pièces dont le biomorphisme mesuré est vecteur de\nsens et d’émotion.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm\"\u003eLa Cité de la céramique donne carte\nblanche à Kristin McKirdy pour réaliser un rapprochement historique\net esthétique entre son travail et certaines pièces conservées\ndans les collections nationales. \n\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm\"\u003eUne exposition monographique « Kristin\nMcKirdy. Vingt ans de création » présente à la fois les\ncréations de ses quatre années de résidence à Sèvres entre 2008\net 2012 et une sélection de pièces parmi les plus représentatives\ndes vingt dernières années provenant de collections privées.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm\"\u003eParallèlement à l’exposition à\nSèvres, les créations réalisées lors de la résidence de Kristin\nMcKirdy seront mises en vente à la galerie parisienne de Sèvres, au\nPalais-Royal. Les galeries Pierre Marie Giraud à Bruxelles et Jousse\nà Paris présenteront aussi des pièces.\u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e• 23 x 30,5 cm\u003cbr\u003e\n• 200 pages\u003cbr\u003e\n• 340 illustrations couleur\u003cbr\u003e \n• Couverture reliée\u003cbr\u003e \n• Édition bilingue français-anglais\u003cbr\u003e\n• ISBN : 978-2-9155-4247-9\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352715444281,"sku":"978-2-915542-47-9","price":45.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/f4f0ab379b6e722df22817963843cc68.jpg?v=1523034824"},{"product_id":"jean-derval-ceramiste-et-sculpteur","title":"Jean Derval, céramiste et sculpteur","description":"\u003ctable border=\"0\" height=\"38\" width=\"300\" style=\"style\"\u003e  \u003ctbody\u003e\u003ctr\u003e\n\u003c!-- \u003ctd class=\"mceVisualAid\" scope=\"scope\" style=\"width: 150px;\" dir=\"dir\" id=\"id\" rowspan=\"1\" align=\"center\" lang=\"lang\" valign=\"valign\"\u003e\u003ca href=\"index.php?option=com_content\u0026view=article\u0026id=123\u0026Itemid=60\"\u003e\u003cdiv class=\"buttonclear\"\u003eSommaire\u003c\/div\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/td\u003e--\u003e\n\u003ctd align=\"center\" width=\"150\"\u003e\u003ca href=\"index.php?option=com_flippingbook\u0026amp;view=book\u0026amp;id=12\"\u003e\u003cdiv class=\"buttonclear\"\u003eFeuilleter le livre\u003c\/div\u003e\u003c\/a\u003e\u003c\/td\u003e\n\n\u003c\/tr\u003e\u003c\/tbody\u003e\n\u003c\/table\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm; widows: 0; orphans: 0\"\u003eJean Derval\n(1925-2010) est une figure majeure de la céramique contemporaine.\nAprès une formation dans la section publicité à l’École\nnationale des arts appliqués à l’industrie, où il a pour\ncamarade Robert Picault et Roger Capron, il se forme au métier de\ngraphiste, et c’est comme affichiste qu’il entame sa vie\nprofessionnelle. Engagé par Christofle, il réalise des décors\nd’orfèvrerie mais aussi une ligne de pièces d’usage réalisées\nà Saint-Amand-en-Puisaye. Ce sanctuaire du grès, magnifié par Jean\nCarriès et son école à l’aube du xx\u003csup\u003ee\u003c\/sup\u003e siècle, est\npour Jean Derval une révélation. Il découvre dans l’atelier\nMaubrou-Pigaglio un univers qui le satisfait pleinement par la\nrichesse de ses techniques et par ses vastes possibilités\nartistiques. Plus encore, la céramique laisse le créateur\ncomplètement libre de ses choix, dans une immédiateté quasi\nmagique de réalisation. Il peut « dessiner un bol et boire\ndedans le lendemain ».\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm; widows: 0; orphans: 0\"\u003eEn 1947, Jean\nDerval retrouve à Vallauris les deux autres membres du club « les\ntrois coqs » Robert Picault et Roger Capron, qui ont fondé\nl’atelier Callis. Il rejoint deux ans plus tard le célèbre\natelier Madoura, animé par Suzanne Ramié et alors dominé par la\nfigure magistrale de Picasso. En 1951, il fonde l’atelier du\nPortail. Il y développe un art subtil, d’une grande virtuosité\ntechnique et artistique, voué à la pièce unique. Ce savoir-faire\nfascine Roger Capron, qui fait appel à lui de 1967 à 1973,\nnotamment pour le chantier important de l’hôtel Byblos à\nSaint-Tropez. Par la suite Jean Derval sera amené à collaborer à\ndes réalisations architecturales aussi prestigieuses que l’aéroport\nde Saint-Denis de La Réunion ou la technopole de Sophia-Antipolis.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm; widows: 0; orphans: 0\"\u003ePréfacé et\npostfacé par ses amis Claude Bleynie et Jean-Paul van Lith, ce livre\nretrace\u003cstrike\u003e \u003c\/strike\u003eles grandes étapes d’une œuvre\nexpressive, diversifiée et fort savante, où le rouge de cuivre\nrègne en majesté dans un monde voué à la faïence, un véritable\ntour de force. Son inspiration fortement marquée par le mouvement de\nl’imagerie s’ancre dans une tradition qui lui permet sur un mode\nsouvent néocubiste de nous livrer des guerriers, des fauconniers\nissus du Moyen Âge, des minotaures et des sphinx, hérités des\nmythologies méditerranéennes, sans oublier une production d’art\nsacré liée à une foi inébranlable.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm; widows: 0; orphans: 0\"\u003eCette\ninspiration renforcée par les multiples domaines abordés par Jean\nDerval trouve son unité dans la rigueur du dessin, le souci du\ndétail, une parfaite connaissance des techniques et surtout une\nattention constante portée à l’homme et à ses multiples\ninterrogations. \n\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm;\" align=\"justify\"\u003e \u003c\/p\u003e\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm;\"\u003e• Format: 30,5 x 23 cm\n\u003cbr\u003e• 192 pages\u003cbr\u003e• 300 Illustrations\ncouleur et noir \u0026amp; blanc\u003cbr\u003e• Couverture\nreliée sous jaquette\u003cbr\u003e• ISBN:\n978-2-9155-4240-0\n\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352744411193,"sku":"978-2-9155-4240-0","price":46.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/158304255cf4e6f4b34e580307ff8ea5.jpg?v=1523035004"},{"product_id":"a-bord-des-paquebots-50-ans-d-arts-decoratifs","title":"À bord des paquebots, 50 ans d’arts décoratifs","description":"\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm;\" align=\"JUSTIFY\"\u003eDe la mise en service de \u003ci\u003eFrance\u003c\/i\u003e  en 1912 à la première traversée transatlantique de \u003ci\u003eFrance\u003c\/i\u003e au début de 1962, les compagnies maritimes et les chantiers navals français ont connu un demi-siècle d’exception. Cette période a vu la réalisation d’une série de navires de légende à bord desquels les arts décoratifs français ont trouvé un écrin sans équivalent. \u003ci\u003eIle-de-France\u003c\/i\u003e(1927) et \u003ci\u003eNormandie\u003c\/i\u003e (1935) en sont deux exemples remarquables.\u003c\/p\u003e\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm;\" align=\"JUSTIFY\"\u003e\u003ci\u003eÀ bord des paquebots\u003c\/i\u003e explore 50 ans d’arts décoratifs et ouvre\u003ci\u003e \u003c\/i\u003eà la visite quatorze grands transatlantiques français, en mettant en évidence le style propre que les plus grands décorateurs (Arbus, Ruhlmann, Prou, Dunand, Leleu, Subes…)ont insufflé à chacun d’eux. La richesse de l’iconographie ravive la splendeur de ces ensembles décoratifs aujourd’hui disparus. Cet ouvrage leur rend la place que leur ambition, leur qualité et leur ampleur auraient dû leur valoir dans le patrimoine français du xx \u003csup\u003ee\u003c\/sup\u003e siècle.\u003c\/p\u003e\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm;\" align=\"JUSTIFY\"\u003e\u003ci\u003eÀ bord des paquebots \u003c\/i\u003epropose pour la première fois un véritable travail d’histoire comparée, avec une mise en perspective des réalisations françaises et étrangères au cours de ces cinquante années.\u003c\/p\u003e\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm;\"\u003e• Format: \u003cfont face=\"Arial, sans-serif\"\u003e\u003cfont size=\"2\"\u003e23 x 28,5 cm\u003c\/font\u003e\u003c\/font\u003e\u003cbr\u003e• 416 pages\u003cbr\u003e• 500 illustrations couleur et noir \u0026amp; blanc\u003cbr\u003e• Relié, couverture toilée\u003cbr\u003e• ISBN: 978-2-9155-4238-7\u003c\/p\u003e\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm;\" align=\"JUSTIFY\"\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352748277817,"sku":"978-2-9155-4238-7","price":87.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/3a32d0682a342a8fdc464c2e0e0c39bf.jpg?v=1523035011"},{"product_id":"yves-gastou-antiquaire-du-futur","title":"Yves Gastou. Antiquaire du futur","description":"\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm\"\u003eMarchand et collectionneur, Yves Gastou\r\na exploré les courants marquants des arts décoratifs du xx\u003csup\u003ee\u003c\/sup\u003e\r\nsiècle au fil de découvertes et de redécouvertes. Sa carrière\r\ndébute en province où il remet à l’honneur l’Art nouveau et\r\nl’Art déco, puis découvre en 1972, à Toulouse, André Arbus. Ce\r\ngrand ébéniste des années 40 demeure en quelque sorte la charnière\r\nqui déplace son goût vers la seconde moitié du xx\u003csup\u003ee\u003c\/sup\u003e\r\nsiècle. \r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm;\"\u003eDès son installation à Paris, Yves\r\nGastou se tourne vers les années 40, 50 puis 70, sans oublier le\r\ndesign des années 80, dont il demeure le promoteur contemporain. En\r\ndécembre 1985, il ouvre sa galerie parisienne, rue Bonaparte,\r\naccolée à l’École des beaux-arts, en plein cœur de\r\nSaint-Germain-des-Prés avec une façade réalisée en \u003ci\u003eterrazzo\u003c\/i\u003e\r\nnoir et blanc par Ettore Sottsass. Il sera en effet le premier\r\nmarchand à Paris à oser le mélange entre arts décoratifs et\r\ndesign contemporain, à l’aube des années 80. \r\n\u003c\/p\u003e\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm;\"\u003e \u003c\/p\u003e\r\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm\"\u003e• Format: \u003cfont face=\"Arial, sans-serif\"\u003e\u003cfont size=\"2\"\u003e23 x 30,5 cm\u003c\/font\u003e\u003c\/font\u003e\u003cbr\u003e• 320 pages\u003cbr\u003e• 350 illustrations couleur et noir \u0026amp; blanc\u003cbr\u003e• Relié sous jaquette\u003cbr\u003e• ISBN: 978-2-9155-4235-6\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352749686841,"sku":"978-2-9155-4235-6","price":77.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/31157d4125b6f51cd5f5c975fc91d014.jpg?v=1523035021"},{"product_id":"matali-crasset-works","title":"Matali Crasset Works","description":"\u003cp\u003eCette première monographie consacrée à Matali Crasset retrace les vingt dernières années du parcours d’une des créatrices les plus renommées du design international. De l’objet à l’architecture, le travail de Matali Crasset interroge à la manière d’un sociologue le rôle du design dans la vie quotidienne et redéfinit les modes d’usage, les modes de vie et les interactions humaines.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDiplômée des Ateliers-ENSCI en 1991, Matali Crasset garde de son passage chez le designer italien Denis Santachiara un intérêt pour les nouvelles technologies. Dès son retour à Paris, elle développe cette expérience de design électronique lorsqu’elle collabore pendant cinq ans avec Philippe Starck, devenant responsable de Tim Thom, la structure de design intégrée de la société Thomson Multimedia, et en 1996 lorsque le VIA lui donne carte blanche pour son projet de mobilier domestique informatique W at Hôm. \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSa maison-atelier, qu’elle installe en 1998 à Belleville au milieu de petits jardins dans une ancienne imprimerie, est propice à la réflexion et à la recherche. Elle y crée des objets souvent transformables proposant des solutions originales saluées par la critique pour leur caractère fonctionnel, poétique, imaginaire et récréatif. Parmi les innombrables réalisations, on peut citer : la colonne d’hospitalité Quand Jim monte à Paris ou le canapé-aire de jeux Permis de construire pour Domeau \u0026amp; Pérès ; les structures en métal et les plateaux amovibles Table Trays \u0026amp; Shelves pour Aiki ; la suspension Ierace pour Artemide ; la suspension Evolute pour Danese ; la psyché et la lanterne Diamonds are a Girl’s Best Friend pour Meta\/Mallett ; l’espace « meublé » Open Room n° 1 pour Established \u0026amp; Sons ; la Chambre d’ami pour Campeggi ; la collection d’ustensiles de pâtisserie Essentiel de pâtisserie pour Alessi. Les projets de Matali Crasset se succèdent et se ramifient au gré des rencontres. Elle travaille avec des acteurs aussi distincts que l’hôtelier qui veut développer un nouveau concept (hôtels Hi à Paris et à Nice ou Dar Hi à Nefta en Tunisie), le musée qui souhaite se métamorphoser (SM’s à s’Hertogenbosch aux Pays-Bas), ou encore la Direction des affaires culturelles de Bourgogne qui veut placer des lustres contemporains dans la cathédrale Saint-Bénigne de Dijon.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eMatali Crasset trouve dans les expositions un espace de réflexion et d’expérimentation différent du design industriel et multiplie les occasions de collaborer avec des artistes, notamment Peter Halley avec « Nature morte à habiter » à la galerie Thaddaeus Ropac où elle expose régulièrement. Elle réalise de nombreuses scénographies pour des sociétés privées, Hermès, Première Vision, ou pour des institutions, le Mobilier national, la Biennale de Saint-Étienne, le Salon de Montrouge.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm;\"\u003e• 24 x 28 cm\u003cbr\u003e• 300 pages\u003cbr\u003e • 700 illustrations couleur\u003cbr\u003e• relié sous jaquette\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-9155-4545-5\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352749883449,"sku":"978-2-9155-4545-5","price":70.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/43ae31a8c0c1a48b8fb8995112df99ec.jpg?v=1523035025"},{"product_id":"les-decorateurs-des-annees-50","title":"Les Décorateurs des années 50","description":"\u003ctable width=\"150\" height=\"38\" border=\"0\"\u003e\n\u003ctbody\u003e\n\u003ctr\u003e\n\u003ctd scope=\"scope\" style=\"width: 150px;\" dir=\"dir\" rowspan=\"1\" valign=\"valign\" lang=\"lang\" align=\"center\"\u003e\u003ca href=\"index.php?option=com_content\u0026amp;view=article\u0026amp;id=131\u0026amp;Itemid=60\"\u003e\n\u003cdiv class=\"buttonclear\"\u003eSommaire\u003c\/div\u003e\n\u003c\/a\u003e\u003c\/td\u003e\n\u003c\/tr\u003e\n\u003c\/tbody\u003e\n\u003c\/table\u003e\n\u003cp\u003eLe renouveau des arts décoratifs dans la France d’après-guerre est d’une extrême diversité, du style 40 qui perdure à travers les commandes officielles au meuble classique ou néoclassique dont le succès est sans précédent. La modernité, elle, reste un combat à mener après l’échec de l’Union des artistes modernes (UAM) qui, trop rigoriste, n’a su convaincre ni les industriels, ni le public. Ce défi est relevé par la jeune génération des décorateurs présentés dans cet ouvrage. Leur approche n’obéit pas aux règles strictes d’une esthétique préétablie, comme le préconisaient les machines à penser leur temps que furent, avant-guerre, la Cranbrook Academy aux États-Unis, le Bauhaus et l’école d’Ulm en Allemagne ou l’UAM en France. Elle répond aux besoins et aux aspirations d’un pays en pleine reconstruction, avec l’extraordinaire vitalité qui caractérise l’époque.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAprès une introduction qui met l’accent sur l’alliance d’éthique et d’esthétique, de fantaisie et de rigueur, de cette création française foisonnante et singulière, en marge du design naissant, ce livre s’organise en quatre parties, chacune précédée d’une introduction qui en définit le contexte historique.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEn premier lieu viennent les grands décorateurs, les maîtres de l’entre-deux-guerres, comme Adnet, Arbus ou Old, et les représentants d’un style 50 en liberté, ludiques et affranchis de tout discours en «isme», que furent Matégot, Royère ou Raphaël. Puis, les grandes figures de la Reconstruction –Gascoin, Hitier, Renou ou Sognot– qui ont transmis à la génération suivante le sens d’une modernité exigeante et puriste, parfois d’un étonnant avant-gardisme. Leurs fils spirituels, dont beaucoup demeurent ignorés des historiens du design et qui avaient à peine vingt ans au début des année 50, se nomment Gautier-Delaye, Guariche, Motte, Paulin, Richard ou Philippon et Lecoq. Plus proches des designers étrangers, rêvant d’un art international au service de tous, ils sont les premiers à avoir réussi une véritable collaboration avec les industriels. \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eOutre ces trente-trois monographies biographiques et stylistiques dont celle consacrée à Roger Fatus, l’auteur Patrick Favardin analyse la mise en place de structures, totalement nouvelles pour la France, d’édition, de promotion et de diffusion, avec des fabricants comme Airborne, Les Huchers-Minvielle ou Steiner, des galeries comme celle de Steph Simon et la galerie MAI, les ateliers des grands magasins, les revues de décoration, les Salons des arts ménagers et les Salons des artistes décorateurs. Autant d’acteurs qui ont apporté avec passion leur réflexion et leur soutien, technique aussi bien que financier, à ce qui fut une aventure sans précédent.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e• 23 x 30,5 cm\u003cbr\u003e• 352 pages\u003cbr\u003e • 400 illustrations couleur\u003cbr\u003e• Couverture reliée\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-9155-4248-6\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352749981753,"sku":"978-2-9155-4248-6","price":86.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/eb967125c935c1477be89df436082b41.jpg?v=1523035026"},{"product_id":"claudio-colucci-kaleidoscope","title":"Claudio Colucci Kaléidoscope","description":"\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm;\"\u003eNomade, trublion du design, Peter Pan jet-setteur, joli cœur kawaii, Claudio Colucci ne tient pas en place. Genève, Paris, Tokyo, récemment Shanghai et Beijing viennent sous-titrer son nom, telle une enseigne de luxe. On s’arrête trop souvent à son sourire de Joker. \u003ci\u003eBut what you see is not necessary what you get…\u003c\/i\u003e Claudio est un fabulateur.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm;\"\u003eCréateur d’objets narratifs, de lieux chargés d’histoire, généreux en pirouettes et paradoxes, il trouve le ferment de son inspiration dans l’art du conte. « J’aime la fabulation, raconter des histoires, inventer… vraies ou fausses… plutôt fausses avec un départ un peu vrai… brouiller les pistes... jouer ! » claironne-t-il.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm;\"\u003eSous la direction de Sarah Carrière-Chardon, commissaire indépendante, ses compagnons de routes ont rejoint l’aventure : les designers Tom Dixon, Christian Ghion, les Tsé \u0026amp; Tsé, le chef pâtissier Sébastien Gaudard, les architectes Astrid Klein et Mark Dytham, le styliste Paul Smith et la douce Chika, geisha de Kagurazaka et Michel Temman, ex-correspondant de \u003ci\u003eLibération\u003c\/i\u003e au Japon, qui comme Claudio s’installe en Chine. Depuis Paris, l’agent Dominique Serrell, avec qui les galeristes Pierre Romanet et Pierre Staudenmeyer ont, les premiers, exposé et édité ses créations. Ses \u003ci\u003esempaï\u003c\/i\u003e (parrains) nippons : l’incontournable Teruo Kurosaki, le producteur Takaya Iwasaki et le directeur de la communication d’Hermès Japon Kozo Fujimoto, qui lui ont ouvert les portes du Levant. Enfin, Kanae Hasegawa, critique, Ruy Niimi, professeur à la Musashino Art University, Marie-Laure Jousset, conservateur en chef honoraire au Centre Pompidou, Gérard Laizé, directeur du VIA ou Christine Colin, inspectrice au ministère de la Culture, qui ont fait sa fortune critique. \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm;\"\u003eCes personnalités marquantes dans le parcours de Claudio ont toutes pris part à l’histoire et au jeu. Entre le portrait chinois qui se devine par analogie et le kaléidoscope, dont les variations sur le même motif évoluent à chaque tour de main ou à chaque clin d’œil, chaque invité est venu apporter sa touche et son angle de vue à l’épopée coluccienne... Se jouant des usages du livre de designer, cette monographie tient plus de l’affabulation, à moins que ce ne soit du roman d’anticipation ?\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e• 22 x 29 cm\u003cbr\u003e• 256 pages\u003cbr\u003e • 230 illustrations couleur\u003cbr\u003e• Brochée\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-91554-246-2 \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352751652921,"sku":"978-2-91554-246-2","price":45.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/e9195d6bcfa5014e3f76ce01648621a8.jpg?v=1523035028"},{"product_id":"hubert-le-gall","title":"Hubert Le Gall","description":"\u003cp class=\"MsoNormal\" style=\"text-align:justify;mso-pagination:none;mso-layout-grid-align: none;text-autospace:none\"\u003e\u003cb style=\"mso-bidi-font-weight:normal\"\u003e\u003cspan style=\"mso-bidi-font-size:16.0pt;color:red\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/b\u003e\u003cspan style=\"mso-bidi-font-family:Verdana\"\u003eLa\n monographie que les Éditions Norma consacrent à Hubert Le Gall invite à\n parcourir le travail d’un esthète au talent éclectique et inclassable, \nqui ne se laisse enfermer ni dans les styles ni dans la routine.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp class=\"MsoNormal\" style=\"text-align:justify\"\u003e\u003cspan style=\"mso-bidi-font-family: Verdana\"\u003eMultipliant\n les associations d’idées insolites, les allers-retours entre art et \ndécoration, Hubert Le Gall se délecte avec les traditions et la \ndérision, les jeux de forme, la lumière et les ombres portées, le \ncontenu et le contenant, les pleins et les déliés… Guéridon \u003ci style=\"mso-bidi-font-style: normal\"\u003ePic poissons,\u003c\/i\u003e cabinet \u003ci style=\"mso-bidi-font-style:normal\"\u003eTaureau,\u003c\/i\u003e fauteuil \u003ci style=\"mso-bidi-font-style:normal\"\u003ePot de fleurs,\u003c\/i\u003e table \u003ci style=\"mso-bidi-font-style:normal\"\u003eMarguerites,\u003c\/i\u003e lampe \u003ci style=\"mso-bidi-font-style: normal\"\u003eSpot Dog,\u003c\/i\u003e miroir \u003ci style=\"mso-bidi-font-style:normal\"\u003eDorian,\u003c\/i\u003e ses pièces ludiques et poétiques n’en finissent pas de séduire et de surprendre.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp class=\"MsoNormal\" style=\"text-align:justify\"\u003e \u003c\/p\u003e\u003cp class=\"MsoNormal\" style=\"text-align:justify\"\u003e• 23 x 30.5 cm\u003cbr\u003e• 208 pages\u003cbr\u003e• 400 illustrations couleur\u003cbr\u003e• couverture reliée\u003cbr\u003e• ISBN : \u003cspan style=\"mso-bidi-font-size:10.0pt; mso-bidi-font-family:Times\"\u003e978-2-9155-4250-9\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352751849529,"sku":"978-2-9155-4250-9","price":55.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/2b8d973a9978aacbe077e0ecc8ca0556.jpg?v=1523035030"},{"product_id":"martine-martine","title":"Martine Martine","description":"\u003cp class=\"MsoNormal\"\u003e\u003cb style=\"mso-bidi-font-weight:normal\"\u003e\u003cspan style=\"color:red\"\u003eExposition du 12 avril au 25 août 2013 au musée d’Art moderne de Troyes \/ collections nationales Pierre et Denise Lévy\u003c\/span\u003e\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp class=\"MsoNormal\"\u003e\u003cspan style=\"mso-bidi-font-family:Verdana\"\u003eMartine\r\n Lévy est née le 22 avril 1932 à Troyes. Fille de grands amateurs d’art,\r\n Pierre et Denise Lévy, elle grandit dans une maison ouverte aux \r\nartistes, où chaque pan de mur est orné d’œuvres. \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp class=\"MsoNormal\"\u003e\u003cspan style=\"mso-bidi-font-family:Verdana\"\u003eÉvoluant\r\n dans cette effervescence artistique, Martine Lévy apprend à dessiner, \r\nsuivant les conseils des peintres Maurice Marinot et André Derain. À \r\nl’âge de 17 ans, elle décide de se consacrer à la peinture et s’installe\r\n à Paris pour parfaire ses acquis à l’Académie Julian et à La \r\nGrande-Chaumière.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp class=\"MsoNormal\"\u003e\u003cspan style=\"mso-bidi-font-family:Verdana\"\u003eÀ\r\n 22 ans, elle se marie avec Léon Cligman, un passionné d’art et \r\ncollectionneur. Cette même année, Martine devient l’artiste au double \r\nprénom. L’origine de cette signature mystérieuse, Martine Martine, \r\nremonte à sa première interview radio. Intimidée par la situation, elle \r\nrépète à deux reprises son prénom quand le journaliste l’interroge sur \r\nson nom d’artiste. En réaction à cette réponse, le journaliste \r\ns’exclame : « Alors c’est Martine Martine. »\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp class=\"MsoNormal\"\u003e \u003c\/p\u003e\u003cp class=\"MsoNormal\"\u003e• 21 x 27 cm\u003cbr\u003e• 108 pages\u003cbr\u003e• 210 illustrations couleur\u003cbr\u003e• Broché avec rabats\u003cbr\u003e• ISBN : \u003cspan style=\"mso-bidi-font-size:10.0pt; mso-bidi-font-family:Times\"\u003e978-2-9155-4251-6\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\u003cbr\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352752308281,"sku":"978-2-9155-4251-6","price":22.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/fd367bcea21972644ecf30276a208475.jpg?v=1523035032"},{"product_id":"villas-60-70-en-france","title":"Villas 60-70 en France","description":"\u003cstyle type=\"text\/css\"\u003e\n.lb-prev, .lb-next {\ndisplay:block !important;}\n\n\u003c\/style\u003e\r\n\r\n\u003cp\u003eLe précédent ouvrage de Raphaëlle Saint-Pierre paru aux Éditions Norma, Villas 50 en France, montrait déjà une production architecturale digne d’être reconnue. Son nouvel opus, Villas 60-70 en France fait découvrir la création originale et foisonnante de cette période, qu’elle soit l’œuvre d’architectes français (Jean Balladur, André Bruyère, Paul Chemetov, Jean Nouvel, Claude Parent, Roland Simounet, etc.) ou étrangers (Marcel Breuer, Philip Johnson, Richard Neutra, Oscar Niemeyer). Le livre analyse les divers courants esthétiques et conceptuels, notamment dans leur relation avec les mouvements internationaux. Au milieu des années 60, la contestation sociale et l’émergence de la contre-culture se font sentir dans le monde occidental. L’architecture moderne est remise en question par une multiplicité de tendances qui se dévoilent alors. Contrairement aux années 50, on ne peut pas parler d’un style spécifique des décennies 60 ou 70. Cependant le programme de la maison reste, plus que jamais, le laboratoire privilégié des architectes de toutes les générations.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eLa première partie du livre est divisée en trois chapitres qui s’attachent à discerner les influences, les ruptures, les thèmes de réflexion liés à la maison individuelle française. Le premier est consacré aux métamorphoses de la modernité. Les débats se complexifient, les modèles et les repères changent. Face à la multiplication des pavillons, architectes et designers se mobilisent pour mettre au point des prototypes de maisons industrialisées. Le deuxième chapitre expose l’enthousiasme des architectes pour les sciences, les avancées de la prospective (Jean-Louis Chanéac) ainsi que l’effacement des frontières avec les arts plastiques (Pierre Szekely). Dômes, paraboloïdes hyperboliques, bulles (Pascal Häusermann, Antti Lovag) et structures gonflables sont les symboles d’une rupture avec le cube antérieur. Le troisième chapitre aborde la pensée écologique. Elle apparaît chez quelques scientifiques et intellectuels en marge, puis, lors de la crise pétrolière de 1973, investit la scène nationale avec un nouvel intérêt pour le bois (Pierre Lajus, Jean-Pierre Watel) et les essais d’architecture solaire (Guy Rottier).\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eDans la seconde partie de l’ouvrage, une trentaine de villas très caractéristiques sont classées par ordre chronologique, analysées en détail et illustrées par des documents variés, dessins, plans, photographies… Elles permettent un approfondissement des thèmes abordés au début du livre et elles expriment la richesse, aujourd’hui insoupçonnée, de cette époque fondatrice que furent les années 60 et 70 dans de nombreux phénomènes de société mais particulièrement en architecture. \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\u003cspan class=\"Apple-style-span\" style=\"border-collapse: separate; color: rgb(0, 0, 0); font-family: Helvetica; font-size: 12px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: normal; 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\"\u003e\u003cspan class=\"Apple-style-span\" style=\"border-collapse: separate; color: rgb(0, 0, 0); font-family: Helvetica; font-size: 12px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: normal; letter-spacing: normal; line-height: normal; orphans: 2; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; widows: 2; word-spacing: 0px; -webkit-border-horizontal-spacing: 0px; -webkit-border-vertical-spacing: 0px; -webkit-text-decorations-in-effect: none; -webkit-text-size-adjust: auto; -webkit-text-stroke-width: 0px; \"\u003e\u003cspan class=\"Apple-style-span\" style=\"border-collapse: separate; -webkit-border-horizontal-spacing: 0px; -webkit-border-vertical-spacing: 0px; color: rgb(0, 0, 0); font-family: Helvetica; font-size: 12px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: normal; letter-spacing: normal; line-height: normal; -webkit-text-decorations-in-effect: none; text-indent: 0px; -webkit-text-size-adjust: auto; text-transform: none; orphans: 2; white-space: normal; widows: 2; word-spacing: 0px; \"\u003ePréfacier de l’ouvrage,\u003cb style=\"mso-bidi-font-weight:normal\"\u003e Dominique Amouroux\u003c\/b\u003e est critique d’architecture contemporaine et historien de l’architecture du \u003cspan style=\"font-variant:small-caps\"\u003exx\u003c\/span\u003e\u003csup\u003ee\u003c\/sup\u003e siècle. Il est l’auteur de nombreux livres, dont le \u003ci style=\"mso-bidi-font-style: normal\"\u003eGuide de l’architecture contemporaine en France\u003c\/i\u003e et prépare actuellement \u003ci style=\"mso-bidi-font-style:normal\"\u003eMarcel Breuer en France.\u003c\/i\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/span\u003e \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\u003cp class=\"MsoNormal\"\u003e \u003c\/p\u003e\u003cp class=\"MsoNormal\"\u003e• 23 x 28,5 cm\u003cbr\u003e• 320 pages\u003cbr\u003e• 465 illustrations\u003cbr\u003e• \u003cspan class=\"Apple-style-span\" style=\"border-collapse: separate; color: rgb(0, 0, 0); font-family: Helvetica; font-size: 12px; font-style: normal; font-variant: normal; font-weight: normal; letter-spacing: normal; line-height: normal; orphans: 2; text-align: auto; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; widows: 2; word-spacing: 0px; -webkit-border-horizontal-spacing: 0px; -webkit-border-vertical-spacing: 0px; -webkit-text-decorations-in-effect: none; 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Une liaison inspirante","description":"\u003cp\u003e\u003cbr\u003eQuelle est la place de la littérature dans le ciel de la mode ? Quel rôle les créateurs et directeurs artistiques lui accordent-ils aujourd’hui ? Que lisent-ils ? Les lectures inspirent-elles leurs créations ? Pour combler tous ces blancs et soigner mon blues littéraire, j’ai infiltré la « Fashionie » afin de confronter la mode à la littérature après avoir conjugué design et littérature dans mon précédent livre.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eJ’ai donc demandé à une quarantaine de créateurs de mode de dessiner, de dédier vêtements et accessoires à leurs écrivains ou héros littéraires préférés. Mon voyage au pays des styles s’est révélé enthousiasmant. Tous « mes » créateurs ont conçu, dessiné, imaginé, composé robes, vestes, costumes, sacs, chaussures, bijoux, chapeaux, parfums et maquillages, pleins de fantaisie.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eDe Karl Lagerfeld, qui a consacré à Catherine Pozzi un très subtil exercice d’admiration, à Rabih Kayrouz, fou de Baudelaire, Camille Miceli, fan de Zweig, Bouchra Jarrar, inconditionnelle de Sagan, Vincent Darré, fasciné par Raymond Roussel, Inès de La Fressange, subjuguée par Hauteclaire Stassin, Elie Top, fin lecteur de Marguerite Duras, Manolo Blahnik, amoureux éperdu d’Emma Bovary, ainsi qu’Olympia Le-Tan, Delfina Delettrez, Isabel Marant, Vanessa Seward, Anne Valérie Hash, Dominique Modiano, Peter Copping, Frédéric Malle, Yaz Bukey, Olivier Échaudemaison, Élizabeth Garouste, Serge Lutens, Christian Lacroix, Silvia Fendi, Véronique Nichanian, Martine Sitbon, Bruno Frisoni, Gustavo Lins, Elvis Pompilio, Ophélie Klère-François Alary, Christophe Josse, Alexis Mabille, Hervé Van der Straeten, Julien Fournié, Steffie Christiaens, Émilie Luc-Duc, Maurizio Galante, Marisol Suarez, Serkan Cura jusqu’au team brillant de Valentino, Maria Grazia Chiuri-Pierpaolo Piccioli, qui a imaginé deux robes arachnéennes pour Elizabeth Bennet et Anna Karénine… tous ont participé à cette aventure littéraire et ludique avec bonheur !\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eLa littérature semble finalement avoir un bel avenir dans cette contrée de la mode où tous les excès sont nécessaires pour maintenir le goût en éveil, comme l’affirmait Christian Dior.\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\u003cp\u003e• 23 x 30,5 cm\u003cbr\u003e• 160 pages\u003cbr\u003e• 175 illustrations\u003cbr\u003e• \u003cspan class=\"Apple-style-span\" style=\"border-collapse: separate; 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Céramiste et peintre","description":"\u003cp class=\"MsoNormal\" align=\"center\"\u003e\u003cb style=\"mso-bidi-font-weight:normal\"\u003e\u003cspan style=\"color:red\"\u003eExposition du 4 juillet au 15 septembre 2013 à Monaco : salle d’exposition du quai Antoine I\u003csup\u003eer\u003c\/sup\u003e\u003c\/span\u003e\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eArtiste protéiforme qui manie avec brio pinceau, stylo ou argile, Albert Diato naît à Monaco en 1927, où il passe son bac en 1945. À Paris, pendant la période euphorique de l’après-guerre, il se frotte à tous les courants artistiques de l’époque : abstraction, surréalisme et lettrisme principalement. Ses poèmes et nouvelles révèlent un univers onirique et « underground » original.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eDécouvrant le plaisir du travail de la terre grâce à Picasso qui l’invite à Vallauris et qui explore la céramique à l’atelier Madoura, Albert Diato crée, en 1948, avec Francine Del Pierre et Gilbert Portanier, l’atelier du Triptyque, qui contribue à la révolution esthétique de la céramique des années 1950. À partir de 1952, il ouvre différents ateliers à Paris, Londres, Faenza, etc. Ses pièces sont exposées dans les grandes galeries et acquises par de nombreux musées en France et à l’étranger (Saint-Étienne, Victoria and Albert Museum…). Ses céramiques sont fortes et puissantes, et leurs dessins préparatoires créatifs et vigoureux.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eEn 1959, Diato obtient la médaille d’or à l’Exposition internationale de la céramique d’Ostende. Cette même année, le prince Pierre de Monaco remarque ce céramiste doué et lui demande d’effectuer le décor de la Bibliothèque Princesse Caroline à Monaco, inaugurée par la toute jeune princesse. En 1960, il le charge de réaliser un grand panneau mural en céramique et un plafond en stuc pour la salle des délégués à l’Unesco à Paris.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eMais le talent du céramiste ne doit pas éclipser celui du peintre. Sa peinture est tout à fait unique et originale, et très tôt apparaissent gouaches, huiles, gravures ou lithographies. Stylisée et acérée, elle est d’abord figurative, avant que Diato ne se lance à corps perdu, vers 1957, dans une belle abstraction poétique. En 1962, influencé par Yves Klein et ses monochromes dorés, il introduit la feuille d’or dans ses créations. Son œuvre, d’où se dégagent mysticisme et sérénité, a été exposée par les plus grandes galeries internationales.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eEn 1967, à la demande du roi Zaher Shah d’Afghanistan, et grâce à ses grandes connaissances en matière d’émaux et de cuisson, Albert Diato est nommé expert par le Bureau International du Travail (BIT) de Genève afin de relancer la poterie afghane. Il exécute pour l’ambassade de France à Kaboul un grand panneau mural, puis deux autres pour la villa du roi à Naghlu.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eCe n’est que peu de temps avant sa mort prématurée en 1985 qu’Albert Diato revient à Monaco, laissant le souvenir d’une personnalité chaleureuse et poétique hors du commun.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eL’exposition rétrospective de l’été 2013, organisée par la Direction des Affaires Culturelles de Monaco et les commissaires d’exposition Adriano Ribolzi et Marie-Pascale Suhard, permettra de redonner à Albert Diato la place qui lui revient dans le cœur des Monégasques et celle de grand créateur dans le contexte artistique du xxe siècle qu’il occupait de son vivant. \u003c\/p\u003e\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\u003cp\u003e• 23 x 30,5 cm\u003cbr\u003e• 288 pages\u003cbr\u003e• 630 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture reliée\u003cbr\u003e• \u003cspan style=\"color:red;\"\u003eBilingue français-anglais\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-9155-4253-0\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352755060793,"sku":"978-2-9155-4253-0","price":60.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/02bc58e7f95e001027be6fbccd72281b.jpg?v=1523035047"},{"product_id":"1925-quand-l-art-deco-seduit-le-monde-broche","title":"1925, quand l’Art déco séduit le monde (broché)","description":"\u003cp\u003eCatalogue de l’exposition « 1925 quand l’Art déco séduit le monde » à la Cité de l’architecture et du patrimoine, Paris, du 16 octobre 2013 au 17 février 2014\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e1925 est une date historique qui, pour les français, s’identifie avec l’Exposition des arts décoratifs de Paris, illustration d’une gloire et d’une puissance retrouvée, illusion d’une paix universelle. Pour n’être point la plus considérable des expositions françaises, elle sera, malgré les critiques, celle qui aura le plus de retentissement et, sans doute, la plus grande influence dans le monde. De très nombreux architectes et décorateurs français sont appelés sur les grands chantiers internationaux de la décennie qui suit. Les ambassades françaises et les paquebots ont été leur cheval de Troie.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAprès la Première Guerre mondiale qui a amené son lot de désolation, la reconstruction a vu apparaître les premiers exemples du nouveau style. En 1925, il faut être moderne. Le développement de l’aviation et de l’automobile l’exige, voyant surgir premiers garages et aérodromes. L’Art déco est souvent associé au luxe mais il a orienté aussi le dessin des habitations à bon marché et des cités-jardins. Les grands magasins et les boutiques se développent et créent leurs lignes de décoration.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa femme moderne fait son apparition. Elle est incarnée par la garçonne qui fume, conduit, pilote des avions et choisit son architecte-décorateur. Elle n’oublie pas d’être élégante et les couturiers ou couturières, amis des architectes, inventent pour elle le sportswear. Les étrangers à Montparnasse, car Paris 1925 est le centre du monde, ont introduit un levain neuf dans la vieille pâte de nos couleurs. Cubisme aussi, pour un appel à un ordre géométrique de carrés, de losanges et de zig-zag, mais Joséphine Baker, laissant tomber pour un instant sa ceinture de bananes, remet les pendules à l’heure en rappelant ce que l’art moderne et le nouveau mouvement doivent à la culture africaine.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePlus qu’une date, 1925 est donc un état d’esprit : comment les « Années Folles » succèdent à la « Belle Époque », l’Art déco à l’Art nouveau, comment aussi à travers cette apparente continuité apparaissent et s’imposent les caractéristiques d’un art mondial et moderne impatient d’éclore. Ce mouvement Art déco, né dans le Champagne d’une paix retrouvée, sera salué pour son glamour et son invention, adopté et adapté par chacun, chaque pays, dans une effervescence à chaque fois renouvelée des motifs, des formes et des couleurs. Aujourd’hui, les Art Deco Society du monde entier, désirant préserver et garder le souvenir de ce patrimoine commun, rappellent son universalité rayonnante. \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm;\"\u003e• 24 x 28 cm\u003cbr\u003e• 288 pages\u003cbr\u003e• 450 illustrations\u003cbr\u003e• Broché\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-9155-4258-5 \u003cbr\u003e • Avec la Cité de l’architecture \u0026amp; du patrimoine\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm;\"\u003e \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352757485625,"sku":"978-2-9155-4258-5","price":120.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/f9c36312e42d6a197ba4b22c274e5f2d.jpg?v=1523035072"},{"product_id":"1925-quand-l-art-deco-seduit-le-monde-relie","title":"1925, quand l’Art déco séduit le monde (relié)","description":"\u003cp\u003eCatalogue de l’exposition « 1925 quand l’Art déco séduit le monde » à la Cité de l’architecture et du patrimoine, Paris, du 16 octobre 2013 au 17 février 2014\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e1925 est une date historique qui, pour les français, s’identifie avec l’Exposition des arts décoratifs de Paris, illustration d’une gloire et d’une puissance retrouvée, illusion d’une paix universelle. Pour n’être point la plus considérable des expositions françaises, elle sera, malgré les critiques, celle qui aura le plus de retentissement et, sans doute, la plus grande influence dans le monde. De très nombreux architectes et décorateurs français sont appelés sur les grands chantiers internationaux de la décennie qui suit. Les ambassades françaises et les paquebots ont été leur cheval de Troie.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAprès la Première Guerre mondiale qui a amené son lot de désolation, la reconstruction a vu apparaître les premiers exemples du nouveau style. En 1925, il faut être moderne. Le développement de l’aviation et de l’automobile l’exige, voyant surgir premiers garages et aérodromes. L’Art déco est souvent associé au luxe mais il a orienté aussi le dessin des habitations à bon marché et des cités-jardins. Les grands magasins et les boutiques se développent et créent leurs lignes de décoration.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa femme moderne fait son apparition. Elle est incarnée par la garçonne qui fume, conduit, pilote des avions et choisit son architecte-décorateur. Elle n’oublie pas d’être élégante et les couturiers ou couturières, amis des architectes, inventent pour elle le sportswear. Les étrangers à Montparnasse, car Paris 1925 est le centre du monde, ont introduit un levain neuf dans la vieille pâte de nos couleurs. Cubisme aussi, pour un appel à un ordre géométrique de carrés, de losanges et de zig-zag, mais Joséphine Baker, laissant tomber pour un instant sa ceinture de bananes, remet les pendules à l’heure en rappelant ce que l’art moderne et le nouveau mouvement doivent à la culture africaine.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePlus qu’une date, 1925 est donc un état d’esprit : comment les « Années Folles » succèdent à la « Belle Époque », l’Art déco à l’Art nouveau, comment aussi à travers cette apparente continuité apparaissent et s’imposent les caractéristiques d’un art mondial et moderne impatient d’éclore. Ce mouvement Art déco, né dans le Champagne d’une paix retrouvée, sera salué pour son glamour et son invention, adopté et adapté par chacun, chaque pays, dans une effervescence à chaque fois renouvelée des motifs, des formes et des couleurs. Aujourd’hui, les Art Deco Society du monde entier, désirant préserver et garder le souvenir de ce patrimoine commun, rappellent son universalité rayonnante. \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm;\"\u003e• 24 x 28 cm\u003cbr\u003e• 288 pages\u003cbr\u003e• 450 illustrations\u003cbr\u003e• Relié\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-9155-4255-4\u003cbr\u003e • Avec la Cité de l’architecture \u0026amp; du patrimoine\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm;\"\u003e \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352757551161,"sku":"978-2-9155-4255-4","price":250.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/f9c36312e42d6a197ba4b22c274e5f2d_b0d82d2b-afc3-4f80-a4c2-8a0c3f5d1210.jpg?v=1523035074"},{"product_id":"verres-d-usage-et-d-apparat-de-la-renaissance-au-xixe-siecle-la-collection-du-mesnil","title":"Verres d’usage et d’apparat de la Renaissance au XIXe siècle, la collection du mesnil","description":"\u003cp style=\"text-align: justify;\"\u003eCet exceptionnel ensemble de verres anciens, allant de la Renaissance à la fin du xixe siècle, de Venise à l’Angleterre, en passant par la France, l’Espagne, la Bohême, les pays germaniques et les Pays-Bas, a été réuni par un même collectionneur. Philippe du Mesnil a démarré sa collection il y a maintenant plus de dix ans et n’a de cesse, depuis, d’arpenter les salons d’antiquaires et les ventes aux enchères, aiguisant son œil quotidiennement. \u003cbr\u003e\u003cbr\u003eOn ne peut qu’admirer dans le catalogue de très belles verreries vénitiennes du xvie et du xviie siècle, et notamment des verres filigranés, qui côtoient des pièces européennes «façon de Venise». Ces dernières sont directement issues des productions vénitiennes, dont l’influence s’est répandue dans toute l’Europe, donnant naissance à des modèles régionaux très semblables aux prototypes vénitiens, avec cependant parfois des singularités qui permettent de les identifier, plus particulièrement dans le cas des pièces catalanes et néerlandaises. La tradition verrière vénitienne anime la plus grande partie de cette collection. On s’interroge sur la valeur d’usage de ces pièces. Nombre d’entre elles paraissent avoir davantage une valeur symbolique ou rituelle, ce sont des pièces d’apparat, souvent signe d’appartenance aristocratique et de pouvoir.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSont également rassemblées des verreries plus utilitaires et populaires du xviiie siècle parmi lesquelles des verres à boire, dits génériquement verres fougères. Si le xixe, correspondant aux premiers achats de Philippe du Mesnil, n’est plus le point fort de cet ensemble, les premiers verres à boire acquis par le collectionneur, bordelais et amateur de vin, sont cependant fort représentatifs de cette importante nouveauté que sont les services de verres décorés et personnalisés qui, à cette époque, deviennent un décor majeur des tables dressées.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e• 20 x 25.5 cm\u003cbr\u003e• 152 pages\u003cbr\u003e• 95 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture souple avec jaquette en rhodoid\u003cbr\u003e• Bilingue français-anglais\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-9155-4259-2\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352757649465,"sku":"978-2-9155-4259-2","price":20.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/001f51baacf041da49a740bd7c94c48a.jpg?v=1523035076"},{"product_id":"marc-held-50-ans-de-design","title":"Marc Held, 50 ans de design","description":"\u003cp\u003eEn 1968, le lit moulé en plastique blanc conçu par Marc Held fait la couverture du fameux catalogue Prisunic et son fauteuil Culbuto est édité par Knoll : le design pour tous commence son parcours triomphal dans les différentes classes de la société. Des années 70 à aujourd’hui, de la montre Lip à l’aménagement des appartements de l’Élysée, Marc Held est l’un des designers marquants de cette période heureuse pour la création française.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eParallèlement à sa carrière de designer, Marc Held est architecte. Il a conçu de nombreuses maisons, dont il a réalisé aussi le mobilier. Il consacre aujourd’hui l’essentiel de sa réflexion aux rapports entre l’architecture populaire et la modernité.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eNé en 1932 dans une famille émigrée d’Europe centrale, Marc Held a grandi à Bagnolet, près de Paris, dans un monde imprégné par l’idéal communiste. Au lendemain de la guerre, il découvre le théâtre de Jean Vilar, le jazz à Saint-Germain-des-Prés. Il observe les débuts du design dans les vitrines de Knoll ou de Mobilier International. Grand admirateur des Scandinaves, comme Alvar Aalto ou Arne Jacobsen, qui dominent alors la scène internationale, ou des Américains Charles et Ray Eames, il se lance dans cet univers de modernité conviviale, et il en fait son métier.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSensible à l’air du temps et aux besoins d’une génération qui rompt avec la tradition française du meuble de famille, il joue rapidement un rôle de premier plan. Créateur, entrepreneur, galeriste, il ouvre L’Échoppe, au 51 rue de Seine, puis réalise de grandes commandes d’architecture intérieure pour IBM, en Provence, ou les hôtels Frantel, à Reims notamment. Son approche de l’habitat, du design, puis de l’architecture reste constamment imprégnée des valeurs humanistes qui lui ont été inculquées dans son enfance. Des premiers meubles en teck des années 60 aux créations les plus récentes, ce catalogue raisonné revient sur cinquante années de design, couvrant des domaines aussi variés que les arts de la table, le mobilier, l’aménagement des salons de l’Élysée, la réalisation de la tour IBM à la Défense.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e• 28 x 28 cm\u003cbr\u003e• 380 pages\u003cbr\u003e• 200 illustrations\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-915-54263-9 \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352759582777,"sku":"9782915542639","price":45.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/19f42a4a45c9a0e7e265ef2cd4de6262.jpg?v=1523035078"},{"product_id":"portfolios-modernes-art-deco","title":"Portfolios Modernes Art Déco","description":"\u003cp align=\"center\"\u003e\u003cb\u003e\u003cfont color=\"#FF0000\"\u003eÀ l’occasion de la parution de l’ouvrage \u003ci\u003ePortfolios Modernes Art Déco\u003c\/i\u003e, les Éditions Norma ont le plaisir de vous convier à l’exposition « La Modernité illustrée » du 10 septembre au 24 octobre 2014.\r\n\u003c\/font\u003e\u003c\/b\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eLe portfolio, aussi appelé carton, atlas, ou recueil de planches, sous forme de feuilles libres introduites par quelques pages de texte et maintenues en place par des rabats ou des cordons, a longtemps eu les faveurs des grands créateurs.\r\nLa publication des portfolios les plus exceptionnels du début du xxe siècle permet de retracer tant l’histoire de l’édition que celle de l’architecture, de l’UAM, des arts décoratifs, de la photographie et du graphisme.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003ePaul Poiret, Lucien Vogel, Bernard Boutet de Monvel, Charles Martin, Rose Adler, Germaine Krull, Jan et Joël Martel, Albert Morancé, Charles Moreau, Albert Lévy, Rob Mallet-Stevens, Le Corbusier, Pierre Jeanneret, Charlotte Perriand, Pierre Chareau, Francis Jourdain, Pierre Legrain, Annie et Jean Dalsace, Charles de Noailles…, les plus illustres acteurs des mouvements moderne et Art déco participent au renouveau de ces recueils essentiellement conçus par des artistes.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\nLe présent ouvrage, inédit par son sujet, établit des ponts entre les divers domaines de la création et fait revivre un moment unique de l’histoire de l’art au xxe siècle.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e• 22 x 29 cm\u003cbr\u003e• 608 pages\u003cbr\u003e• 1500 illustrations\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-91554-2561\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352759812153,"sku":"978-2-91554-2561","price":150.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/bbce3543e5b6fff48d212062b6b613e0.jpg?v=1523035080"},{"product_id":"souvenirs-de-captivite","title":"Souvenirs de captivité","description":"\u003cp\u003eSommeillant dans un tiroir, un cahier de vingt dessins relatant la vie dans le camp de prisonniers d’Alten Grabow était conservé dans une maison de famille à Bénesse-lès-Dax, dans les Landes.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\nÀ ce cahier, s’ajoutaient deux petits carnets de toile enduite noire couverts d’une écriture appliquée et soigneuse.\r\n\u003c\/p\u003e\u003cp\u003e\r\nCes carnets sont ceux d’Henri Badetz (1893-1975) qui a consigné le récit de ses quatre années de captivité pendant la Première Guerre mondiale. Autant de témoignages d’une détresse certaine, mais peut-être également chanceuse, dans une guerre qui fut terrible.\r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\nIncorporé à Bayonne dans le 49e Régiment d’infanterie, 11e Compagnie, matricule 4356, blessé et prisonnier de la première heure, Henri Badetz a vécu une guerre particulière qui lui a épargné de connaître les véritables « boucheries humaines » quotidiennes des soldats de 14-18. Ce jeune homme va passer toute la guerre en captivité, pendant deux ans dans le camp de prisonniers d’Alten Grabow, à Dornitz, près de Magdebourg en Saxe, avant d’être envoyé comme ouvrier agricole dans un domaine tenu par une Allemande, francophile, ancienne élève de la Sorbonne et de l’école des Chartes.\r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\nDe la vie dans le camp subsistent ces dessins touchants qui conservent à la fois la fraîcheur d’un message optimiste et le souvenir du cauchemar collectif des prisonniers, celui des années volées par l’ignoble guerre. Fort heureusement il vécut longtemps, alors qu’autour de lui ses beaux-frères, tous gazés, moururent des suites d’une guerre qui l’avait effleuré et miraculeusement épargné.\r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\nCes vingt dessins accompagnant de courts extraits choisis dans les carnets d’Henri Badetz qui décrivent avec minutie et concision la vie dans les camps constituent un témoignage bouleversant sur le quotidien des prisonniers pendant la Grande Guerre.\r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\nCes feuilles révèlent un vrai talent d’artiste. Dans leur apparente naïveté, dans une manière qui n’est pas sans faire penser au trait d’un Pinchon (le créateur inspiré de Bécassine), Henri Badetz dresse l’émouvant décor de ce qui pourrait bien être le grand et petit théâtre du prisonnier.\r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e• 17 x 22 cm\u003cbr\u003e• 64 pages\u003cbr\u003e• 30 illustrations\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-91554-2677\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352759910457,"sku":"978-2-91554-2677","price":15.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/2f73fb7dd3e827de99f6ca98d93f7fc1.jpg?v=1523035082"},{"product_id":"intensive-beyrouth","title":"Intensive Beyrouth","description":"\u003cp\u003e\r\n« Construire au Liban est ma manière de prendre position face à la guerre. » Cette phrase de l’architecte franco-libanais Youssef Tohme est la clé pour entrer dans \u003ci\u003eIntensive Beyrouth\u003c\/i\u003e. Cet essai illustré mêle des réflexions urbaines sur la capitale libanaise aux expériences de projets de ce maître d’œuvre engagé à rouvrir le débat sur l’architecture dans son pays. À Beyrouth, où toute situation n’est jamais qu’un état provisoire, l’espace de l’analyse est fondamental.\r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\nYoussef Tohme envisage sa discipline comme un outil critique et politique. Il ne l’aborde jamais comme un univers formel ou stylistique mais comme la possibilité de questionner le monde, réfléchir aux conditions de la ville.\r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\nProfondément liées à son vécu, ses positions sur le vide, l’échange, le rêve ont un écho particulier dans un pays où la culture du fragment et de la superposition est poussée à l’extrême.\r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\nLa première partie de l’ouvrage expose les idées de Youssef Tohme en relation avec 25 photos de Ziad Antar. Outillé d’une Holga et d’un Rollefleix, l’artiste libanais a saisi quatre des réalisations majeures de l’architecte – l’université Saint-Joseph de Beyrouth (conçue avec 109 architects), la villa T et la villa M à Kornet Chehouane, la villa SC à Akoura – au regard de la ville de Beyrouth et de ce qui en déborde. La seconde partie est réalisée par Karine Dana. L’auteur met en conversation Youssef Tohme avec des personnalités importantes de la scène culturelle libanaise telles que l’architecte Tony Chakar, l’artiste Ziad Abilama ou encore le chanteur Ahmed de Maschrou.\r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e• 19 x 24,5 cm\u003cbr\u003e• 136 pages\u003cbr\u003e• 40 illustrations\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-91554-2677\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352760008761,"sku":"978-2-91554-2615","price":25.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/6a016b59f2dacb0d3bc7195a28eb1b34.jpg?v=1523035084"},{"product_id":"viollet-le-duc-les-visions-d-un-architecte","title":"VIOLLET-LE-DUC Les visions d’un architecte","description":"\u003cp style=\"color: red; text-align: center; font-weight: bold;\"\u003eCélèbre pour sa doctrine en matière de restauration, pour sa science archéologique et son activité au service du patrimoine, Eugène Viollet-le-Duc est également reconnu, depuis les années 1970, pour ses idées sur la création architecturale soutenues par un rationalisme structurel et visionnaire singulier.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDessinateur hors pair, pédagogue, politicien, cet homme aux talents multiples est dévoilé dans l’exposition et le livre qui l’accompagne : une personnalité étrange et complexe, mobilisant un savoir encyclopédique au service d’un projet politique tout autant qu’esthétique. En tout point, une figure majeure du xixe siècle français.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDe la formation de Viollet-le-Duc, marquée par ses voyages, à ses travaux de restauration, tels que ceux des cathédrales Notre-Dame de Paris et Notre-Dame de Lausanne, ou encore à ses créations comme les décors éphémères réalisés pour le baptême du Prince impérial, l’exposition et le catalogue nous permettent de saisir les facettes les plus méconnues de cet architecte-dessinateur inclassable.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePrésentant tout autant l’exceptionnel fonds de dessins et de documents en provenance de la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine que son mobilier, les pièces d’orfèvrerie qu’il a dessinées pour Notre-Dame de Paris, ou ses travaux autour du Dictionnaire raisonné de l’architecture française, cet ouvrage, enrichi d’une chronologie et du catalogue illustré des œuvres exposées, offre une synthèse érudite et inédite sur le « Grand Duc ».\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e• 24 x 28,8 cm\u003cbr\u003e • 240 pages\u003cbr\u003e • 460 illustrations\u003cbr\u003e • ISBN : 978-2-91554-2660\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352760270905,"sku":"978-2-91554-2660","price":485.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/013c4d23213e202208f200cb3cae204a.jpg?v=1523035090"},{"product_id":"mathieu-mategot","title":"Mathieu Matégot","description":"\u003cp style=\"color: red;\"\u003eÉVÉNEMENT : exposition à la galerie Matthieu Richard, 34, RUE DE SEINE, 75006 PARIS, du 27 novembre 2014 au 2 janvier 2015\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eMathieu Matégot (1910-2001) est l’un des designers les plus inventifs des années 50. Cet artiste d’origine hongroise, créateur, décorateur et entrepreneur, est l’inventeur d’un véritable langage, dont l’un des supports principaux est le Rigitulle, une tôle perforée qu’il a brevetée et qui lui permet de déployer, par un système de plis, son métal perforé dans l’espace. À l’aise avec tous les matériaux, il a également travaillé le verre, le bois, le rotin ou encore le laiton. Il a régulièrement participé, durant les années 50, aux plus grands Salons. Très sollicité, il a répondu à de nombreuses commandes, publiques ou privées : le restaurant végétarien La Saladière, à Paris, une partie du Drugstore des Champs-Élysées, deux foyers-bars à la Maison de la radio ou encore un aérodrome à Casablanca.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eGrâce à de nombreux documents d’époque provenant notamment des archives familiales, cet ouvrage revient sur l’ensemble du parcours de Matégot, de sa découverte du métal perforé pendant la Seconde Guerre mondiale à ses dernières tapisseries des années 80. Il permet avant tout de redécouvrir une œuvre riche et variée, qui fait de Mathieu Matégot l’un des plus grands créateurs de la période des Trente Glorieuses. \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e• 23 x 30.5 cm\u003cbr\u003e• 368 pages\u003cbr\u003e• 640 illustrations\u003cbr\u003e• Bilingue français-anglais\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-91554-2691\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352760336441,"sku":"978-2-91554-2691","price":400.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/d44a6986faa67b68fd33358bb22c600b.jpg?v=1523035092"},{"product_id":"les-freres-cloutier-ceramistes-et-sculpteurs","title":"Les frères Cloutier. Céramistes et sculpteurs","description":"\u003cp\u003eL’œuvre des frères Cloutier occupe une place singulière dans la céramique française de la seconde moitié du xxe siècle. Tout à la fois fascinante et déroutante, la production des jumeaux, s’appuyant sur une grande maîtrise des savoir-faire, acquise notamment chez Pol Chambost ou Georges Jouve, mêle depuis l’ouverture de leur atelier en 1955 nécessité intérieure, impertinence et humour.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\nTout en s’inscrivant dans le renouveau de la céramique française, Jean et Robert nous emmènent dans leur terre d’élection, un univers onirique en perpétuel mouvement qu’ils vont explorer tout au cours de leur œuvre, se jouant des modes et des diktats. \r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e• 23 x 30.5 cm\u003cbr\u003e• 184 pages\u003cbr\u003e• 230 illustrations\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-91554-2622\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352760795193,"sku":"978-2-91554-2622","price":49.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/fd2abfdd7fea8ecb3a7d9aec53f267a9.jpg?v=1523035094"},{"product_id":"french-art-nouveau-ceramics-an-illustrated-dictionary","title":"FRENCH ART NOUVEAU CERAMICS, an illustrated Dictionary","description":"\u003cp\u003eLa fin du xixe et le début du xxe siècle sont une période particulièrement prospère pour la céramique française qui adopte les courbes, les formes et l’iconographie de l’Art nouveau. En 1901, près de 210 poteries ou ateliers emploient près de 6 000 personnes inspirées par la nature, le style Rococo, frivole et voluptueux, l’art chinois ou japonais : La Porte chinoise ouvre en 1853 ; Félix Bracquemond découvre un des volumes de Hokusai Manga et décore en 1856 un service de porcelaine avec des motifs tirés de l’ouvrage. \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eGrâce à des figures tels Jean Carriès, Ernest Chaplet, connu pour ses recherches sur le rouge “sang de bœuf” chinois et sa maîtrise des émaux, Pierre-Adrien Dalpayrat et ses flammés verts ou bleus, les céramistes tels que Dammouse ou Delaplanche réunis par Braquemond et Charles Haviland aux Ateliers d’Auteuil, la céramique évolue vers un art à part entière.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCe dictionnaire propose une étude exhaustive de l’ensemble des céramistes connus à ce jour ayant participé au mouvement Art nouveau en France en travaillant le grès, la faïence, la terre cuite (terracotta).\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eRecensant près de 1200 céramistes, ateliers ou galeries, illustré de 900 visuels, ce livre permet également de découvrir le travail sur la céramique d’artistes reconnus dans d’autres domaines : Redon, Renoir, Toulouse-Lautrec, Dufy, Rodin, Claudel… \u003cbr\u003e Un index des noms et des lieux de production, une bibliographie très détaillée et plus de 250 signatures font de ce dictionnaire une synthèse inédite et un exceptionnel outil de connaissance sur la céramique Art nouveau française.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e• 23 x 30.5 cm\u003cbr\u003e• 424 pages\u003cbr\u003e• 650 illustrations\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-91554-2653\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352761188409,"sku":"978-2-91554-2653","price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/eb7fdbea66786ab81e8938e201868adc.jpg?v=1523035100"},{"product_id":"charlotte-perriand-loeuvre-complete-tome-1","title":"Charlotte Perriand, l'oeuvre complète - Tome 1. 1903-1940","description":"\u003cp\u003ePendant sept décennies, Charlotte Perriand (1903-1999) a contribué à façonner le monde de ses inventions, laissant derrière elle un sillage d’images, d’objets, de lieux et d’édifices, autant de registres d’une œuvre qui apparaît désormais dans toute son ampleur. Ce premier volume de l’œuvre complète offre une analyse détaillée de ses premières années de création, très fertiles, aussi bien dans le domaine du design que dans celui de l’architecture ou de la photographie. S’appuyant en grande partie sur les archives conservées par la famille de l’artiste dans son atelier parisien, il permet de faire la lumière sur ses sources, son environnement, ses années d’apprentissage à l’école de l’Union centrale des arts décoratifs, ainsi que sa rencontre et son association avec Pierre Jeanneret et Le Corbusier, en 1928, qui va donner naissance à des meubles emblématiques tels que la \u003cem\u003eChaise longue basculante\u003c\/em\u003e (1928), et à ses premiers aménagements (la villa Savoye, la villa Church, la villa Martínez). Il nous fait également découvrir son engagement militant, qui l’amène à voyager à Moscou, puis à réfléchir à une architecture vernaculaire au service du peuple, qui aboutira notamment, dans les années 30, à la Maison au bord de l’eau (1934), à un centre de vacances (1935), ou encore à ses premières architectures de montagne. Les années 30 sont par ailleurs celles de la création de l’UAM, dont elle est l’un des membres fondateurs aux côtés de Robert Mallet-Stevens, mais aussi de sa rupture idéologique avec Le Corbusier, qui va l’amener, à l’orée de la Seconde Guerre mondiale, à faire cavalier seul. \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e• 23 x 30,5 cm\u003cbr\u003e• 512 pages\u003cbr\u003e• 990 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture cartonnée, jaquette américaine\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-91554-2608\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352761319481,"sku":"978-2-91554-2608","price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/files\/Couverture_perriand_T1_plat1.jpg?v=1727875842"},{"product_id":"le-corbusier-et-la-lampe-gras","title":"Le Corbusier et la lampe Gras","description":"\u003cp\u003e« À vrai dire, l’art décoratif, c’est de l’outillage, du bel outillage. »\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eLe Corbusier, \u003cem\u003eL’Art décoratif d’aujourd’hui\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eLa lampe Gras a une place inédite dans l’histoire du luminaire. Conçue par Bernard-Albin Gras en 1921, elle inaugure un genre nouveau de système d’éclairage.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eLe jeune Le Corbusier, passionné par la problématique de la lumière, l’adopte et se l’approprie dès le début des années 20. D’une fonctionnalité remarquable, cette lampe répond aussi parfaitement à son besoin de rupture avec la décoration et l’ornement, ce qui amènera l’architecte à l’intégrer dans son atelier de la rue de Sèvres à Paris comme dans son domicile, où elle sert aussi bien à éclairer ses tables de travail que les plateaux de tables de salle à manger. Il l’introduit également dans de nombreuses réalisations : la villa Le Lac (Corseaux, Suisse), la maison La Roche (Paris), la maison Guiette (Anvers), la villa Savoye (Poissy), ainsi que la villa de son amie Eileen Gray à Roquebrune-Cap-Martin…\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eS’appuyant sur des photographies d’époque, cet ouvrage retrace l’histoire d’une rencontre entre une invention remarquable, mi-objet industriel, mi-objet de design, et l’un des plus grands architectes du XX\u003csup\u003ee\u003c\/sup\u003e siècle. Tout en retraçant l’histoire de la lampe Gras, ses brevets, ses différents modèles, il nous fait redécouvrir, par le prisme de cet emblème du design, les aménagements intérieurs de Le Corbusier, l’un des principaux promoteurs de cette lampe des temps modernes.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e• 21 x 28 cm\u003cbr\u003e• 120 pages\u003cbr\u003e• 95 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture toilée, avec bandeau\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-91554-2707\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352761483321,"sku":"978-2-91554-2707","price":35.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/468b0a8492fd72d55fcf129d349a5f13.jpg?v=1523035104"},{"product_id":"l-univers-a-paris-1900","title":"L’Univers à Paris 1900","description":"\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm; widows: 0; orphans: 0;\" align=\"JUSTIFY\"\u003e\u003cspan style=\"font-family: Cambria,serif;\"\u003eLe récit de l’Exposition universelle de 1900 que livre Ahmad Zaki (1867-1934), surnommé par ses contemporains « le grand maître de l’arabité » \u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-family: Cambria,serif;\"\u003e\u003cem\u003e(\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-family: Cambria,serif;\"\u003e\u003cem\u003eChaykh al-uruba\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-family: Cambria,serif;\"\u003e\u003cem\u003e),\u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-family: Cambria,serif;\"\u003e se distingue fortement des guides et comptes rendus qui en ont été publiés en Europe. Ce lettré égyptien, venu expressément du Caire pour visiter l’Exposition, fait revivre sous un jour nouveau cet événement extraordinaire de l’histoire de Paris.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp style=\"margin-bottom: 0cm; widows: 0; orphans: 0;\" align=\"JUSTIFY\"\u003e\u003cspan style=\"font-family: Cambria,serif;\"\u003e\u003cem\u003eL’Univers à Paris 1900 \u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-family: Cambria,serif;\"\u003einvite à découvrir l’Exposition sous toutes ses facettes, de sa gestation à la visite des pavillons nationaux ou d’expositions inattendues. Écrite sous la forme d’un journal, cette chronique retrace avec minutie la vie quotidienne des Parisiens. L’auteur fait partager ses enthousiasmes et ses irritations dans un style enlevé, nourri de vers, de proverbes et de maximes populaires appartenant à la culture arabe. Son texte, traduit pour la première fois par Randa Sabry, est proposé \u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-family: Cambria,serif;\"\u003e\u003cem\u003ein extenso \u003c\/em\u003e\u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-family: Cambria,serif;\"\u003edans une édition annotée et enrichie par des contributions de Mercedes Volait, Randa Sabry, Alice Thomine-Berrada et Sabine Mangold-Will, et par une iconographie en partie inédite rassemblée par Anne-Laure Brisac-Chraïbi.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eAvec l’INHA\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e• 20 x 25,5 cm\u003cbr\u003e• 256 pages\u003cbr\u003e• 185 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture cartonnée\u003cbr\u003e• ISBN :  978-2-91554-2721\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352761647161,"sku":"978-2-91554-2721","price":49.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/eaf887d96c6768ab096e659ec4422f2c.jpg?v=1523035106"},{"product_id":"olivier-gagnere","title":"Olivier Gagnère","description":"\u003cp\u003eCéramiste, verrier, créateur de meubles, Olivier Gagnère est un alchimiste du feu et de la glace. \r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\nIl est apparu sur la scène du design française dans les années 1980. Au contact du groupe Memphis d’Ettore Sottsass à Milan, il développe son esprit de fantaisie, une grande liberté formelle et un certain humour. Au Japon, il s’imprègne du savoir-faire ancestral des artisans porcelainiers dans les ateliers d’Arita, sur l’île de Kyushu. \r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\nSes premiers meubles sont conçus pour Artelano et la galerie Néotù de Pierre Staudenmeyer. Il collabore avec la galerie Maeght pour réaliser des pièces en verre de Murano et avec la galerie Édition Limitée pour travailler la faïence. L’aménagement du café Marly, au Louvre, en 1994, lui apporte une grande notoriété qui débouche sur de nombreuses associations, notamment avec Saint-Louis, Bernardaud, En Attendant les Barbares… \r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\nÀ l’aise avec tous les matériaux, Olivier Gagnère travaille aussi bien la porcelaine que le fer, le cristal, le bois, le cuir ou le bronze. Il allie des formes simples et intemporelles avec des volumes maîtrisés, déclinés dans des couleurs vives, tranchées. Imprégné des traditions les plus classiques, il donne à chacun de ses objets un geste, une tournure, qui signe son époque. \r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e• 23 x 30,5 cm\u003cbr\u003e• 256 pages\u003cbr\u003e• 650 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture cartonnée\u003cbr\u003e• Français \/ Anglais\u003cbr\u003e• ISBN :  978-2-9155-42738\u003c\/p\u003e\r\n","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352761811001,"sku":"978-2-9155-4273-8","price":49.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/b705b3898b6c824eee0d2546451bf7a0.jpg?v=1523035108"},{"product_id":"charlotter-perriand-loeuvre-complete-tome-2","title":"Charlotter Perriand, l'oeuvre complète - Tome 2. 1940-1955","description":"\u003cp\u003eCe deuxième volume retrace des périodes particulièrement importantes de son œuvre : ses deux séjours au Japon en 1940-1941 et 1953-1955, pendant lesquelles elle est conseiller pour la production de l’art industriel auprès du gouvernement, et ses réalisations pour la reconstruction, marquées par sa collaboration avec les Ateliers Jean Prouvé et de grands architectes de l’époque, Le Corbusier, Pierre Jeanneret, Paul Nelson, Jean de Mailly, Kenzô Tange, etc.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCe livre met en lumière sa collaboration, capitale dans son œuvre, avec les Ateliers Jean Prouvé, de 1952 à 1955. Cette collaboration est marquée par un ensemble de réalisations emblématiques et de chefs-d’œuvre du design, comme les bibliothèques Mexique et Tunisie. L’ouvrage décrit également l’association de Charlotte Perriand et de Pierre Jeanneret après la guerre, notamment avec l’éditeur américain Knoll. Il dévoile tous ses chantiers pour l’Afrique, les cités universitaires (Antony, maisons du Mexique et de la Tunisie, Maison de l’étudiant en médecine), l’Unité d’habitation de Marseille de Le Corbusier, ainsi que l’aménagement de nombreux appartements. La reconstruction est également la période de la naissance du mouvement Formes utiles en 1949, dont Charlotte Perriand est cofondatrice.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSont reproduites in extenso les soixante pages de son fameux article « L’art d’habiter » publié dans la revue Techniques et Architecture en 1950, qui explicitent sa pensée et sa démarche d’architecte d’intérieur et de designer.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e• 23 x 30,5 cm\u003cbr\u003e• 528 pages\u003cbr\u003e• 990 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture cartonnée, jaquette américaine\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-91554-2714\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352761843769,"sku":"978-2-91554-2714","price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/4fcf7b110d1fb8f70f9d64eaf22a4309.jpg?v=1523035110"},{"product_id":"maurice-sauzet-poetique-de-l-architecture","title":"Maurice Sauzet. Poétique de l’architecture","description":"\u003cp\u003eMaurice Sauzet est un architecte du plein et du vide, de la lumière et de l’ombre, de l’horizontalité et de la verticalité. \u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eDiplômé de l’École spéciale d’architecture, il suit sa femme, styliste, au Japon, et devient collaborateur à l’agence d’architecture Junzo Sakakura – élève de Le Corbusier et proche de Charlotte Perriand, qui partira au Japon à son invitation en 1940 –, à Osaka, de 1959 à 1961. Cette expérience japonaise est déterminante dans son parcours. Elle lui permet notamment de découvrir la force de l’architecture bouddhiste zen, sa capacité à émouvoir les sens et à permettre de vivre en harmonie avec la nature. Fondateur d’une agence d’architecture à Toulon avec Jean Parente et Claude Vilfour au début des années 60, il collabore avec Jean Prouvé en 1963 pour réaliser la villa Seynave, à Beauvallon. À partir de 1966, il crée et dirige l’atelier d’urbanisme Varois. Il enseigne, de 1968 à 1993, à l’unité pédagogique de Marseille et à l’école des beaux-arts de Toulon de 1974 à 1982. \u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\nSes réalisations, dans le sillage de sa vision théorique, s’appuient tout autant sur une approche orientale de l’espace et de la lumière que sur la dimension vernaculaire des lieux dans lesquels ses projets – surtout des maisons individuelles, mais également un collège et une usine – prennent place, pour l’essentiel dans le Sud-Est de la France, mais aussi en Bretagne. Tenant d’une architecture naturelle, proche des temples zen japonais, Maurice Sauzet conçoit des bâtiments aérés se déployant dans l’espace, de l’intérieur vers l’extérieur, en osmose complète avec leur environnement. Lieux et milieux sont reconsidérés à partir de principes génériques qui accordent le bâtir à l’habiter et à la nature. Novatrices tout autant qu’émotionnelles, sa vision comme ses réalisations sont à l’origine d’une véritable « poétique de l’architecture ».\u003c\/p\u003e\r\n\r\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e• 23 x 28.5 cm\u003cbr\u003e• 352 pages\u003cbr\u003e• Environ 450 illustrations\u003cbr\u003e• ISBN :  978-2-9155-42790\u003c\/p\u003e\r\n","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352761974841,"sku":"978-2-9155-42790","price":49.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/cf9bd1f45901b11cf6883007310d8a24.jpg?v=1523035112"},{"product_id":"eric-schmitt","title":"Eric Schmitt","description":"\u003cp\u003e« Mon travail est la conséquence du sculpteur que je suis presque, de l’architecte que j’aurais aimé être et du designer que je ne suis pas tout à fait. » C’est ainsi qu’Eric Schmitt se définit.\u003cbr\u003eAutodidacte ayant longtemps forgé lui-même ses pièces et fort d’une expérience qui lui permet d’avoir un dialogue éclairé avec les meilleurs artisans et compagnons pour aller toujours plus loin dans la recherche de formes, Eric Schmitt appréhende avec ingéniosité les possibilités et contraintes des matériaux. \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eConciliant avec dextérité un savoir-faire issu de la tradition française des arts décoratifs et une approche résolument contemporaine du design, il travaille des matériaux d’une grâce inaltérable qui traversent les âges, comme le bronze, l’albâtre ou le verre de Bohême, n’hésitant pas à les associer à des matières de synthèse, tels le Corian ou l’aluminium anodisé, devenus pour lui de nouveaux classiques. Au fil du temps, il s’est débarrassé des ornements bavards de ses débuts simplifiant les lignes jusqu’à atteindre un vocabulaire de formes qui rend les objets difficilement datables.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e« Un meuble a besoin d’émaner du silence pour qu’on l’aime longtemps », dit Eric Schmitt qui se contente de montrer plutôt que de démontrer. Pièces d’édition, séries limitées ou pièces uniques, toutes passent par l’atelier pour les finitions et la signature du créateur.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e• 22 x 28 cm\u003cbr\u003e• 320 pages\u003cbr\u003e• 400 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture cartonnée\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-9155-42745\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352762138681,"sku":"978-2-9155-42745","price":55.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/548ed0dfcbc642d36832adfe3b52cd5e.jpg?v=1523035114"},{"product_id":"les-decorateurs-des-annees-60-71","title":"Les décorateurs des années 60-70","description":"\u003cp\u003eLes années 60 et 70 sont indissociables dans l’histoire de la décoration et du mobilier. Elles marquent un tournant radical dans un monde jusqu’alors confiné à des expressions nationales et élitistes. Tout éclate au début des années 60. La mode est à la fois d’inspiration anglo-saxonne, scandinave, italienne et française. Les genres se mélangent dans un désir effréné de vivre en symbiose avec son temps. Les progrès de la technologie accréditent la conviction d’une liberté conquérante de l’individu et suscitent des désirs inédits d’une nouvelle manière d’habiter, fût-ce dans des cellules de science-fiction. Les formes s’arrondissent, les sièges deviennent des tapis-sculptures qui permettent de se lover dans des univers chaleureux, ludiques et anticonformistes. Les couleurs et les motifs décoratifs épousent l’éclat et les délires du Pop’ Art et du psychédélisme. L’espace d’habitation se transforme en rêve éveillé où se mêlent un mobilier luxueux dans des matériaux inédits et des objets surprenants de toutes origines, associés, fait nouveau, à des meubles anciens. La fin des années 70 marque l’avènement d’une époque où la beauté et l’élégance classique cèdent le pas à une multitude d’expressions qui échappent à tout classement et à toute hiérarchie. L’heure du post-modernisme a sonné.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eComposé d’une longue introduction qui en donne une vision synoptique et de trente-cinq monographies qui décrivent ses multiples visages, ce livre rend intelligible une période exceptionnellement créative et révèle à travers une abondante iconographie, souvent inédite, sa formidable richesse esthétique.\r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e\r\nAlessandro Albrizzi, François Arnal et l’Atelier A, Gae Aulenti, Billy Baldwin, Michel Boyer, Pierre Cardin, François Catroux, Max Clendinning, Joe Colombo, Gabriella Crespi, Alain Demachy, John Dickinson, Tony Duquette, Paul Evans, Galerie Germain, Galerie Lacloche, Galerie Maison et Jardin, Jacques Grange, Marc Held, David Hicks, Jansen, Yonel Lebovici, Serge Manzon, Renzo Mongiardino, Verner Panton, Pierre Paulin, Maria Pergay, Alberto Pinto, Quasar, Henri Samuel, Charles Sévigny, John Stefanidis, Michael Taylor, Carla Venosta, Nanda Vigo\r\n\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\r\n\r\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e• 23 x 30,5 cm\u003cbr\u003e• 336 pages\u003cbr\u003e• 450 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture cartonnée, jaquette\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-9155-42776\u003c\/p\u003e\r\n","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352764137529,"sku":"978-2-9155-42776","price":65.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/7b327e8c733a31c084c1995efba034d6.jpg?v=1523035122"},{"product_id":"albert-maignan-peintre-et-decorateur-du-paris-fin-de-siecle","title":"Albert Maignan. Peintre et décorateur du Paris fin de siècle","description":"\u003cp\u003ePeintre insaisissable, oscillant entre un naturalisme en vogue à la fin du xixe siècle et une peinture élégiaque aux accents symbolistes, Albert Maignan (1845-1908) est l’un des grands noms oubliés de cette époque. Remis à l’honneur aujourd’hui par la Fondation Taylor et le musée de Picardie qui se partagent son héritage, il retrouve enfin la place légitime qu’il avait acquise dans le Paris fin de siècle. \u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eFormé auprès de Jules Noël et d’Évariste Luminais, il devient dès 1867 un fidèle du Salon des artistes français où il expose jusqu’à sa mort avec un égal succès. Récompensé d’une première médaille en 1879, il trouve la consécration en 1888 avec Les Voix du tocsin – œuvre mythique qui renaît aujourd’hui après avoir été roulée depuis 1918 –, avant de s’imposer parmi les artistes éternels du musée du Luxembourg en 1892 avec La Mort de Carpeaux, qui lui vaut la médaille d’honneur. \u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eRéputé pour sa peinture, qui de l’Histoire évolue vers le grand décor inspiré par ses nombreux voyages en Italie où il découvre les peintres des xviie et xviiie siècles, Albert Maignan lie son nom aux chantiers monumentaux de son temps. Il laisse une œuvre magistrale et toujours vivante : murs et plafonds peints au restaurant Le Train Bleu à la gare de Lyon et à l’Opéra-Comique, tapisseries pour le Sénat, écoinçons pour l’Hôtel de Ville de Paris, vitraux pour l’église Saint-Philippe-du-Roule… À la suite de l’incendie du Bazar de la Charité, en 1897, au cours duquel périssent plus de 125 personnes parmi les plus en vue du Paris mondain, il est invité à réaliser deux vitraux et une coupole peinte de 90 mètres carrés pour la chapelle Notre-Dame-de-Consolation, érigée en hommage aux victimes du drame.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eNommé en 1905 président de la Fondation Taylor, à laquelle il léguera sa maison-atelier parisienne du 1 rue La Bruyère, Albert Maignan joue un rôle décisif dans la vie artistique du tournant du siècle, œuvrant avec générosité à la promotion et à la protection des artistes. \u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eL’important fonds d’atelier, légué au musée de Picardie avec l’ensemble de sa collection, de même que son journal, conservé à la Bibliothèque nationale de France, permettent de redécouvrir la richesse et l’extraordinaire liberté de cette œuvre – véritable allégorie du goût du tournant du siècle –, que son épouse Louise, fille du peintre Charles-Philippe Larivière, a livrée à la postérité en préparant, de la mort de son mari en 1908 à sa propre mort en 1947, le travail qui reste à mener pour qu’Albert Maignan redevienne aux yeux du public l’un des plus grands noms du xixe siècle.\u003c\/p\u003e\r\n\r\n\u003cp\u003e• 20,5 x 25,5 cm\u003cbr\u003e• 176 pages\u003cbr\u003e• 200 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture cartonnée\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-91554-2844\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352764530745,"sku":"978-2-91554-2844","price":25.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/282c422587f7cad6e963ad301f986649.jpg?v=1523035133"},{"product_id":"bertrand-penneron-architectures-et-paysages","title":"Bertrand Penneron. Architectures et paysages","description":"\u003cp\u003e« Ce sont les sites et les usagers qui donnent un sens au lieu ». Bertrand Penneron Architecte à Tours, Bertrand Penneron est ancien élève de l'École de Chaillot. Il a notamment vécu en Thaïlande et à La Réunion avant de s'installer en Touraine. Qu'il s'agisse du chai d'un vigneron, d'une école de musique ou de la reconstruction d'une église, son travail est une réflexion sur la création de formes au service de l’homme et en rapport avec le paysage.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eDe ces premiers projets du début des années 90 à ses réalisations les plus récentes, cet ouvrage revient sur 25 ans de création. L’agence Bertrand Penneron a tout autant travaillé sur des équipements sportifs et culturels (réhabilitation d’un pavillon militaire en pôle musique et danse à Poitiers, salle de spectacle à Langeais, etc.), des établissements scolaires (externat, lycée d’agricole d’Areines, école élémentaire Jean de la Fontaine à Tours, rénovation d’un collège à Langeais, etc.), des projets de rénovation de lieux patrimoniaux (dôme de la\r\nbasilique Saint-Martin à Tours, transformation d’un ancien cloître en résidence, Tours, reconstruction de la passerelle Fournier à Tours, etc.) que sur de nombreux programmes de logement. Hugo Massire, historien de l’architecture, décrit dans cet ouvrage largement illustré (photographies, plans et dessins) les circonstances et les enjeux liés à la création d’architectures chez Bertrand Penneron, ainsi que leur lien avec l’environnement. Il analyse chaque projet et met en lumière la générosité qui sous-tend l’œuvre de Bertrand Penneron, toujours présente dans une architecture qui « aide les personnes fragilisées à rebondir » (\u003ci\u003eLibération\u003c\/i\u003e, à propos de la création de 14 appartements à Tours pour personnes en réinsertion, Prix du Projet citoyen 2009 au Congrès national\r\ndes architectes).\u003c\/p\u003e\r\n\r\n\u003cp\u003e• 19,5 x 23 cm\u003cbr\u003e• 200 pages\u003cbr\u003e• 180 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture cartonnée\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-91554-2820\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352766529593,"sku":"978-2-91554-2820","price":35.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/375512baea4a3d5434622719da1ea7c9.jpg?v=1523035148"},{"product_id":"elsa-sahal","title":"Elsa Sahal","description":"\u003cp\u003e« Abstraites et figuratives, adorables et abjectes, élégantes et dégingandées, masculines et féminines, pathétiques et percutantes, les céramiques d’Elsa Sahal donnent naissance à un monde aussi troublant que réjouissant. » Mara Hoberman. Toute l’œuvre d’Elsa Sahal est marquée par un décalage singulier entre la céramique, une technique très ancienne souvent associée à l’artisanat, et un propos contemporain, incarné et vivant, que seul ce medium et sa matérialité spécifique lui permettent d’exprimer.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eApparue sur la scène artistique à la fin des années 90, Elsa Sahal a suivi l’enseignement de Georges Jeanclos à l'École nationale des beaux-arts de Paris dont elle est diplômée. Au fil du temps, ell a a développé un vocabulaire personnel oscillant entre une figuration inquiétante et une abstraction joyeuse, mettant en place un répertoire biomorphique étrange, un langage par lequel le corps et la féminité, sans cesse interrogés, se déploient à travers des organes et orifices isolés, ou encore des motifs viscéraux soulignés par des couleurs fortes et par l’émail recouvrant le grès.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCette œuvre à part occupe une place importante sur la scène artistique contemporaine. Exposée par la Fondation Ricard en 2008, soutenue et suivie, dès 1999, par la galerie Claudine Papillon, Elsa Sahal a notamment reçu le Prix MAIF pour la sculpture (2008) et le prix de la sculpture contemporaine, Fondation Francesco Messina, Casabeltrame, en Italie (2007). \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cb\u003eOuvrage publié avec le soutien du Centre national des arts plastiques et Le Carré, Scène nationale-centre d’art contemporain du pays De Château-Gontier.\u003c\/b\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e• 22 x 29 cm\u003cbr\u003e• 192 pages\u003cbr\u003e• 200 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture cartonnée\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-91554-2813\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352771084345,"sku":"978-2-91554-2813","price":35.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/14d8d72ca8a6a6695384aab7fbf01c26.jpg?v=1523035155"},{"product_id":"johan-creten","title":"Johan Creten","description":"\u003cp\u003eArtiste phare de la scène de l’art contemporain, Johan Creten développe depuis 1993 une œuvre tournée vers le bronze et la céramique – matériau dont il a très tôt saisi le potentiel plastique –, mêlant imagerie populaire, sensualité et beauté.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAncien résident de la villa Médicis (1996) et de la Manufacture nationale de Sèvres (2004-2008), Johan Creten a rapidement eu une reconnaissance internationale qui l’amène aujourd’hui à être exposé dans le monde entier. Son travail, séduisant dès le premier regard, superpose avec habileté un traitement baroque à un esprit classique. Derrière les formes sinueuses comme les riches et attirantes dégoulinures émaillées se cache souvent une dénonciation assez virulente des différentes formes de violence faites à l’homme, homophobie, xénophobie, etc. À partir du 3 juin 2016, Johan Creten est invité à investir les vignes et le domaine du Château de Pommard (Côte-d’Or). Douze œuvres, que ce catalogue présente, mises en perspective avec leurs références, seront intégrées dans la nature et les bâtiments, offrant une confrontation forte entre cet artiste désormais mythique et ce domaine exceptionnel.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e• 17 x 24 cm \u003cbr\u003e• 64 pages\u003cbr\u003e• 30 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture cartonnée\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-91554-2974\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352772198457,"sku":"978-2-91554-2974","price":19.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/00a701f0ca5dc06a363152169ab6fe96.jpg?v=1523035161"},{"product_id":"gaelle-lauriot-prevost-design-dominique-perrault-architectures","title":"Gaëlle Lauriot-Prévost Design, Dominique Perrault Architectures","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eGaëlle Lauriot-Prévost Design, Dominique Perrault Architectures \u003c\/em\u003e(GLP\/DPA), met en lumière l’œuvre de Gaëlle Lauriot-Prévost, des débuts de sa collaboration avec Dominique Perrault – le traitement des espaces intérieurs de la Bibliothèque nationale de France – jusqu’à l’aménagement du Pavillon Dufour, au château de Versailles, ainsi que les meubles et objets qu’elle a dessinés en son nom.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eFruit d’un échange nourri entre un architecte, Dominique Perrault, une designer, Gaëlle Lauriot-Prévost, une journaliste, Michèle Champenois, et un graphiste-typographe, Philippe Apeloig, cet ouvrage choral permet de restituer les liens intimes entre design et architecture. Quatre voix pour retranscrire la force paradoxale d’une oeuvre qui existe au-delà des réalisations dans lesquelles elle se déploie. Dans son essai « Design in situ » et dans ses textes introduisant les différents projets, Michèle Champenois décrypte le jeu croisé des interventions et l’harmonie puissante du dialogue qui assure modernité et pérennité à cette œuvre architecturale.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eL’élégance, la rigueur graphique et les recherches typographiques du studio Apeloig renvoient à l’exigence formelle des créations de Gaëlle Lauriot-Prévost, comme à l’art minimal dans lequel s’inscrit son travail.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eLargement illustré de photographies (Georges Fessy, André Morin, Vincent Fillon…), de dessins et de plans, le livre présente en détail une dizaine de réalisations majeures, du grand théâtre d’Albi aux immeubles Citylights du Pont de- Sèvres à Boulogne, de la tour de Vienne à la passerelle Arganzuela à Madrid. L’emploi de maille métallique, selon de nombreux motifs et usages, est emblématique du travail de la designer.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e• 23 x 30,5 cm\u003cbr\u003e• 360 pages\u003cbr\u003e• 500 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture cartonnée\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-9155-42851\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352772329529,"sku":"978-2-9155-42851","price":45.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/a77472657072afb1eddcab9c74ad728c.jpg?v=1523035163"},{"product_id":"l-enfer-selon-rodin","title":"L’Enfer selon Rodin","description":"\u003cp\u003e\u003cem\u003eL’Enfer selon Rodin \u003c\/em\u003epermet de revivre la création d’une icône de l’art : \u003cem\u003eLa Porte de l’Enfer, \u003c\/em\u003el’œuvre centrale de toute la carrière d’Auguste Rodin (1840-1917). Commandée en 1880 pour le musée des Arts décoratifs, cette porte qui ne s’ouvre pas va occuper Rodin pendant vingt années durant lesquelles il va inlassablement revenir sur son thème, l’épurant et tirant quelques-unes de ses sculptures les plus connues : \u003cem\u003eLe Penseur, Le Baiser, Ugolin \u003c\/em\u003eou encore \u003cem\u003eLes Ombres\u003c\/em\u003e.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eS’inspirant de \u003cem\u003eLa Divine Comédie \u003c\/em\u003ede Dante et des \u003cem\u003eFleurs du mal \u003c\/em\u003ede Baudelaire, le sculpteur crée une œuvre exceptionnelle par le nombre de personnages grouillant à sa surface (près de 200), par sa taille (6,35 m de haut et 4 m de large) et par son traitement des corps.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe catalogue présente les cent cinquante œuvres exposées – dont cinquante « dessins noirs » rarement présentés et une trentaine de sculptures montrées pour la première fois –, qui permettent de découvrir l’histoire fascinante de ce chef-d’œuvre dont l’influence fut considérable dans l’évolution de la sculpture et des arts, abordant de manière inédite les passions humaines. Véritable condensé des recherches stylistiques du sculpteur, \u003cem\u003eLa Porte de l’Enfer \u003c\/em\u003esera également un point de départ pour de nombreuses variations permises par ses techniques de prédilection : fragmentation, assemblage, agrandissement, répétition, qui permettent de cerner l’obsession de l’artiste pour un thème qu’il travaillera jusqu’à en livrer une version beaucoup plus dépouillée à l’Exposition internationale de 1900, visible au musée Rodin de Meudon.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eOuvrage réalisé en coédition avec le musée Rodin.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e• 22 x 28 cm\u003cbr\u003e• 264 pages\u003cbr\u003e• 290 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture souple avec rabats\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-9155-42981\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352772919353,"sku":"978-2-9155-42981","price":34.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/8ba6bf50282acc78c2975e0a79ae2ff4.jpg?v=1523035169"},{"product_id":"jeanne-susplugas","title":"Jeanne Susplugas","description":"\u003cp\u003e« L’aspirine, c’est le champagne du matin. »\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eÉcrite avec des diodes électroluminescentes, cette installation-slogan est l’une des œuvres-phares de Jeanne Susplugas, artiste régulièrement exposée dans les musées d’art contemporain à travers le monde (Palais de Tokyo, Maison rouge à Paris, musée d’Art moderne et contemporain de Saint-Étienne, Kunst-Werke de Berlin, Biennale de Shanghai, Ulrich Museum of Art de Wichita, aux États-Unis, villa Médicis à Rome…).\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDocteur en histoire de l’art, Jeanne Susplugas développe, dès le début des années 2000, un travail portant sur l’enfermement et l’addiction. Elle met en lumière, à travers une multitude de supports, les maux de notre société menant à l’aliénation et à l’enfermement.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eProtéiforme – vidéos, installations, mais aussi performances, dessin, sculpture…–, son travail puise notamment sa substance dans la littérature contemporaine ou ancienne, de Lewis Carroll à Frédéric Beigbeder ou Michel Houellebecq, véritable réservoir dans lequel elle isole des phrases qu’elle transforme en œuvres.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eTrès remarquée, son œuvre a notamment reçu le prix Opline pour l’art contemporain (elle a été sélectionnée par l’artiste Orlan).\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDans cette première monographie largement illutrée, un long entretien de l’artiste avec Jackie Ruth-Meyer revient sur l’ensemble de son parcours ; Julie Crenn s’intéresse au rapport que l’artiste entretient avec la littérature et les mots, Julie Bawin sur l’idée de maison dans le travail de la plasticienne. Éric Corboresse et Mario Blaisse analysent l’idée de \u003cem\u003ePharmakon \u003c\/em\u003edans l’oeuvre de Jeanne Susplugas, tandis que Nicole Bu\u003cstrong\u003e\u003cem\u003ë\u003c\/em\u003e\u003c\/strong\u003esing et Heiko Klaas reviennent à la vision que l’artiste donne du médicament.\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352773017657,"sku":"978-2-9155-42783","price":35.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/6942b74b26635b94b5d88b309ef51cdb.jpg?v=1523035171"},{"product_id":"biarritz-villas-et-jardins-1900-1930","title":"Biarritz, villas et jardins. 1900-1930","description":"\u003cp\u003eÀ partir de 1854, la famille impériale fait de Biarritz sa villégiature, entraînant le développement rapide de ce qui n’était alors qu’un modeste village de pêcheurs. Attirées par la présence d’Eugénie et de Napoléon III, des familles aisées s’installent dans d’immenses propriétés. Vingt-cinq ans plus tard, l’impératrice met en vente son vaste domaine qui est immédiatement loti et découpé en 269 terrains à bâtir. Seuls survivent au rêve impérial l’hôtel du Palais, construit sur les ruines de la villa Eugénie, et la Chapelle.\r\nLa Belle Époque confirme Biarritz dans sa vocation touristique internationale et les maisons et villas luxueuses en pierre de Bidache éclosent, souvent entourées de jardins et signées par des grands noms de l’architecture française, à l’image des villas Océana et Natacha d’Henri Sauvage, chefs-d’œuvre de style Art nouveau.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eAprès la Grande Guerre, Biarritz se modernise. L’Exposition de Paris 1925 a lancé le style Art déco qui sera choisi pour édifier le nouveau casino. L’automobile, l’avion, la mode féminine, le jazz, le sport, l’héliotropisme… sont les nouveaux symboles de la vie moderne. La villégiature exprime les goûts de cette société marquée du sceau de la jeunesse. Les villas s’ouvrent sur la nature et se prolongent par des jardins géométriques dessinés comme des salons en plein air.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eLes styles et les enjeux esthétiques renvoient aux débats d’idées de l’époque. Le néo-basque labourdin ou hispanique souligne la foi dans le renouveau du génie local tandis que l’Art déco et le modernisme reflètent l’adhésion au cosmopolitisme et à l’internationalisme. \u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\n• 23 x 28,5 cm\u003cbr\u003e\r\n• 176 pages \u003cbr\u003e\r\n• 150 illustrations\u003cbr\u003e\r\n• Couverture brochée avec rabats\u003cbr\u003e\r\n• ISBN : 978-2-91554-2998\u003cbr\u003e\r\n\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352773869625,"sku":"978-2-91554-2998","price":29.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/6962e5fcb4d6f17957e8efb80417d995.jpg?v=1523035179"},{"product_id":"ingrid-donat","title":"Ingrid Donat","description":"\u003cp\u003eNée dans une famille d’artistes – père peintre réunionnais, mère pianiste, grand-père architecte –, Ingrid Donat a été élevée en Suède puis est arrivée à Paris en 1975. Brièvement passée par un cours particulier de dessin, elle fait la connaissance du sculpteur Sylva Bernt, compagne d’André Arbus, qui lui fait découvrir la sculpture et les arts décoratifs, mais aussi de personnalités telles que Diego Giacometti, Sam Szafran ou César qui l’incitent à créer ses propres œuvres.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003ePetites figures en papier mâché, ses sculptures évoluent au fil du temps et gagnent en technique et en maturité, avant qu’Ingrid Donat ne se tourne vers la création de mobilier. Ingrid Donat est marquée par la grande tradition des arts décoratifs français, notamment par Armand-Albert Rateau, comme par des artistes tels que Gustav Klimt à qui elle dédie une collection en 2002. Son vocabulaire complexe s’enrichit en embrassant notamment le répertoire décoratif africain et créole. Ses pièces en bronze, en aluminium ou en bois, souvent parcheminées – tables, consoles, bibliothèques, panneaux muraux, chaises et luminaires –, sont incrustées de motifs, sphères ou scarifications tactiles qui donnent à ce travail d’une grande précision – sa commode Engrenages est constituée de trois tiroirs déclenchant une série de sept lourds engrenages en bronze visibles sur les côtés extérieurs du meuble – une matière et un relief singuliers.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eExposée par la galerie Bernard Dulon en France dès 1998, elle est repérée par Barry Friedman qui montre régulièrement son oeuvre aux États-Unis à partir de 2003. Représentée par la Carpenters Workshop Gallery, Ingrid Donat est très appréciée par les grands décorateurs internationaux comme Peter Marino, qui intègrent ses pièces dans de nombreux aménagements pour Dior, Cartier, etc.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\n• 25 x 30,5 cm\u003cbr\u003e\r\n• 288 pages \u003cbr\u003e\r\n• 200 illustrations\u003cbr\u003e\r\n• Couverture cartonnée et embossée, tranche dorée\u003cbr\u003e\r\n• ISBN : 978-2-91554-2950\u003cbr\u003e\r\n\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352773967929,"sku":"978-2-91554-2950","price":75.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/69c00332c68424ea80c4ee0edb48f622.jpg?v=1523035180"},{"product_id":"les-decorateurs-des-annees-51","title":"Les décorateurs des années 50","description":"\u003cp\u003eLe renouveau des arts décoratifs dans la France d’après-guerre est d’une extrême diversité, du style 40 qui perdure à travers les commandes officielles au meuble classique ou néoclassique dont le succès est sans précédent. La modernité reste un combat à mener après l’échec de l’Union des Artistes Modernes (UAM) qui n’a pas su convaincre. Ce défi est relevé par la jeune génération des décorateurs présentés dans cet ouvrage. Leur approche répond aux besoins et aux aspirations d’un pays en pleine reconstruction, avec l’extraordinaire vitalité qui caractérise l’époque. Après une introduction qui met l’accent sur l’alliance d’esthétique, de fantaisie et de rigueur, de cette création française foisonnante, ce livre s’organise en quatre parties, chacune précédée d’une introduction qui en définit le contexte historique.\u003cbr\u003e\r\n-les maîtres de l’entre-deux-guerres, tels qu’Adnet, Arbus ou Old.\u003cbr\u003e\r\n-les représentants d’un style 50 en liberté, ludiques et affranchis de tout discours en «isme», Matégot, Royère...\u003cbr\u003e\r\n-les grandes figures de la Reconstruction – Gascoin, Hitier ou Sognot – qui ont transmis à la génération suivante le sens d’une modernité exigeante et puriste.\u003cbr\u003e\r\n-leurs fils spirituels, Gautier-Delaye, Guariche, Motte, Paulin ou Philippon et Lecoq.\u003cbr\u003e\r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\nOutre ces trente-trois monographies, Patrick Favardin analyse la mise en place de structure d’édition et de diffusion, avec des fabricants comme Airborne, Les Huchers-Minvielle ou Steiner, des galeries comme Steph Simono ou MAI ou encore les Salons.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\n• 23 x 30,5 cm\r\n• 352 pages \r\n• 450 illustrations\r\n• Couverture reliée sous jaquette\r\n• ISBN : 978-2-37666-0002\r\n\u003c\/p\u003e\r\n","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352774033465,"sku":"978-2-37666-0002","price":65.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/86c6d1670f98f4c027d24b0c71531525.jpg?v=1523035182"},{"product_id":"maxime-old","title":"Maxime Old","description":"\u003cp\u003eLa réédition de cette monographie sur Maxime Old (1910-1991) retrace de manière chronologique la carrière et l’œuvre de ce grand décorateur, à travers une étude approfondie de ses carnets de fabrication, de ses archives et de ses participations aux Salons. Maxime Old, issu d’une famille d’ébénistes, suit des études à l’école Boulle avant de parfaire sa formation dans l’atelier de Jacques-Émile Ruhlmann, le plus grand décorateur de son temps. Né à une époque charnière où la société va connaître des bouleversements sans précédent, élevé dans le respect d’une tradition artisanale de qualité et de savoir-faire, Maxime Old représente un trait d’union entre la grande époque des décorateurs et les temps modernes, un authentique et précieux témoin assurant le lien entre la période Art déco et les survivances d’un style quarante qui se fond dans l’époque du design. Le Mobilier national et le ministère des Affaires étrangères lui passent de nombreuses commandes pour les ambassades de France à La Haye, Helsinki et Ottawa. Outre une clientèle privée qui lui reste fidèle tout au long de sa carrière, il est chargé de chantiers aussi importants que l’aménagement du siège de la Société des forges et ateliers du Creusot, l’hôtel Marhaba à Casablanca, l’aérogare de Marignane ou le paquebot \u003ci\u003eFrance\u003c\/i\u003e. \u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\n• 23 x 30,5 cm\r\n• 320 pages \r\n• 400 illustrations\r\n• Couverture reliée sous jaquette\r\n• ISBN : 978-2-91554-2967\r\n\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352774262841,"sku":"978-2-91554-2967","price":80.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/efbe029d2bf7055082cc86b67edc2805.jpg?v=1523035188"},{"product_id":"tours-metamorphoses-d-une-ville","title":"TOURS, métamorphoses d’une ville","description":"\u003cp\u003eDu palais de justice de Jacquemin en 1843 au Centre de création contemporaine\r\nOlivier-Debré d’Aires Mateus en 2016, la ville de Tours n’a cessé de se réinventer.\r\nRetraçant l’histoire de l’architecture et de l’urbanisme tourangeaux de la Révolution à nos jours, cet ouvrage présente les mutations de la ville et son extension à travers ses constructions emblématiques telles que le quartier des Prébendes et son jardin (1871), le Grand Théâtre de Rohard et Hardion (1867-1889), l’hôtel de ville de Laloux (1904), la chapelle des Frères mineurs des Perret (1930), l’imprimerie Mame de Zehrfuss et Prouvé (1953), la Reconstruction menée par Dorian et Patout à partir de 1945, les grands ensembles des Trente Glorieuses, et plus récemment les réalisations de Jean Nouvel (1993), Nicolas Michelin (2003) ou les interventions de Daniel Buren qui ont accompagné la naissance du tramway (2013). Il analyse les idées et l’action des hommes qui ont façonné Tours et ont participé à sa métamorphose, notamment ses maires Auguste Walvein, Ernest Mame, Jean Royer ou Jean Germain.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eAlliant documents inédits et prises de vue contemporaines, ce livre de référence, aboutissement d’un important travail de recherche qui met en lumière l’oeuvre d’artistes tels que Jean-Frédéric Wielhorski, Pierre Chareau, les Boille ou les Marconnet, illustre l’évolution créatrice qui caractérise la modernité de Tours.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\u003ci\u003ePréface de Serge Babary\u003c\/i\u003e\u003c\/p\u003e\r\n\r\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\n• 23 x 28,5 cm\u003cbr\u003e\r\n• 400 pages \u003cbr\u003e\r\n• 500 illustrations\u003cbr\u003e\r\n• Couverture cartonnée, jaquette \u003cbr\u003e\r\n• ISBN : 978-2-91554-2875\u003cbr\u003e\r\n\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352776851513,"sku":"978-2-91554-2875","price":60.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/14937798f1c8674618f8ea0dbed9f328.jpg?v=1523035194"},{"product_id":"charlotter-perriand-loeuvre-complete-tome-3","title":"Charlotte Perriand, l'oeuvre complète - Tome 3. 1955-1968","description":"\u003cp\u003eCe troisième volume de l’oeuvre complète (1956-1968) présente le travail de Charlotte Perriand au coeur des Trente Glorieuses, période pendant laquelle son statut de créatrice internationale va se confirmer.\u003cbr\u003eDès 1956, Charlotte Perriand développe une collaboration soutenue avec la galerie Steph Simon, éditeur notamment de ses bibliothèques Nuage. Elle renforce ses liens avec Air France, aménage des agences en Europe, au Japon et au Brésil et conçoit les premiers espaces de travail en open space.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eÀ Genève, elle consacre plus de dix ans à la renovation de l’immense palais des Nations, siège de l’ONU en Europe, pour en faire un outil moderne au service de milliers de diplomates et d’ONG.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’ouvrage illustre également son « art d’habiter » à travers des réalisations comme la résidence de l’ambassadeur du Japon à Paris, la maison du Sahara, son chalet à Méribel, son appartement à Rio de Janeiro, ou encore l’équipement intérieur du pavillon du Brésil à la cité universitaire, à Paris, avec Le Corbusier. \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAutre pays d’élection de Charlotte Perriand après le Japon, le Brésil, où elle se rend régulièrement de 1959 à 1970, occupe une place importante dans son univers. Elle y noue des liens d’amitié avec Lúcio Costa, Oscar Niemeyer et les grandes figures du milieu culturel progressiste. En 1963, elle commence une mission sur le développement de l’artisanat dans le Nordeste, interrompue par le coup d’État militaire. Près de 800 documents, pour la plupart inédits, retracent une douzaine d’années de création dans les domaines du mobilier, de l’aménagement et de l’architecture de cette pionnière du design, et préfigurent son travail pour la station des Arcs en Savoie dans les années 70 et 80. \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e• 23 x 30,5 cm\u003cbr\u003e• 528 pages\u003cbr\u003e• 990 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture cartonnée, jaquette américaine\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-37666-0019\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352777146425,"sku":"978-2-37666-0019","price":95.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/files\/Couverture_perriand_T3_FR_plat1.jpg?v=1727875796"},{"product_id":"abraham-rol","title":"ABRAHAM \u0026 ROL","description":"\u003cp\u003e« L’espèce est rare, mais elle existe », souligne Pascal Renous, critique d’art, en parlant des couples de créateurs. Créateurs-décorateurs bicéphales, Janine Abraham et Dirk-Jan Rol se sont rencontrés dans l’atelier de Jacques Dumond en 1955. Le couple partage un même amour de la rigueur, de la ligne et des aplats de couleur. Leurs premières créations communes sont présentées dès 1956 au Salon des artistes décorateurs. \r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\nLeur mobilier en rotin, en bois ou en aluminium, deux fois primé au Salon des artistes décorateurs (un buffet en 1956 et un fauteuil en 1958), est remarqué par le public comme par les professionnels. Jean Royère n’hésite pas à utiliser leur emblématique fauteuil Soleil (médaille d’or à l’Exposition internationale de Bruxelles de 1958) pour la décoration du palais du shah d’Iran, à Téhéran. Auteurs de nombreux aménagements intérieurs pour des particuliers, comme pour des grandes marques telles que Les Huchers-Minvielle, Yves Rocher, Conforama, Abraham \u0026amp; Rol ont également exprimé leur grande créativité à travers l’architecture, domaine dans lequel le couple a conçu, des années 60 aux années 2000, une vingtaine de maisons, essentiellement en Île-de-France. Revenant sur cet aspect totalement méconnu de leur œuvre, cette monographie souligne, s’appuyant sur des documents d’époques comme sur des photographies contemporaines, la cohérence et la rigueur du parcours de ces hérauts du style 50.\r\n\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e• 23 x 30,5 cm\u003cbr\u003e• 192 pages\u003cbr\u003e• 250 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture cartonnée\u003cbr\u003e\r\n• ISBN :  978-2-91554-2905\u003c\/p\u003e\r\n\r\n","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352777736249,"sku":"978-2-91554-2905","price":55.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/ede1e65aed830a0af1822e19f613848a.jpg?v=1523035208"},{"product_id":"l-architecte-portraits-et-cliches","title":"L’Architecte. Portraits et clichés","description":"\u003cp\u003eDes petites sculptures égyptiennes d’Imhotep le bâtisseur aux photographies noir et blanc de Le Corbusier avec ses lunettes rondes, l’histoire est jalonnée de représentations d’architectes connus ou méconnus. \u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\r\nSolennels, lorsqu’il s’agit du Robert de Cotte de Hyacinthe Rigaud, du Jacques Lermercier de Philippe de Champaigne ou du Germain Soufflot de Louis Van Loo, ces portraits deviennent plus intimes au XIXe siècle avec des peintres comme Gros, Gérôme ou Ingres, ou, plus tard, avec les sculptures de Carpeaux, Bourdelle ou Orloff. \u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eLa photographie, portée par des artistes tels que Nadar, Doisneau ou Lucien Hervé, permet tout autant de savourer le look singulier de l’architecte que de comprendre le travail d’atelier ou de rendre compte de ses rapports avec les commanditaires et le pouvoir.\r\nDès la deuxième moitié du XXe siècle, Tony Garnier, annonçant Jean Nouvel, Zaha Hadid ou Frank Gehry, deviennent de vraies stars, des « starchitectes ». Présents sur les couvertures des magazines grand public, ils se transforment en effigies que l’on reproduit sur les billets de banque comme sur les bons points et les timbres et tiennent une place de choix dans la littérature, les films comme Douze Hommes en colère (Henry Fonda), Carnaval (Fernandel) ou Astérix et Cléopâtre (Djamel Debbouze), les dessins animés tels que les Simpson, ou les jeux pour enfants, de Playmobil à Barbie.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eLa réunion de ces peintures, sculptures, photographies, outils, bandes dessinées, jeux et extraits de films fait naître un portrait kaléidoscopique exceptionnel restituant les multiples facettes de l’architecte, personnage haut en couleur.\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e\u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003e• 24 x 28,8 cm\u003cbr\u003e• 288 pages\u003cbr\u003e• 320 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture reliée\u003cbr\u003e\r\n• ISBN :  978-2-37666-0026\u003c\/p\u003e\r\n\r\n","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352777801785,"sku":"978-2-37666-0026","price":45.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/ed356b7f26710c5043a66619d74c0a97.png?v=1523035212"},{"product_id":"pucci-de-rossi","title":"Pucci de Rossi","description":"\u003cp\u003eDesigner et artiste inclassable, Pucci de Rossi (1947-2013) a été un pilier de la scène artistique européenne des années 1980. Originaire de Vérone et formé auprès du sculpteur américain H.B. Walker, Pucci de Rossi réalise ses premières pièces en assemblant du mobilier en bois récupéré pour fabriquer des formes étranges et instables, entre trône et machine à remonter le temps. « Mon métier était un jeu pour moi, raconte-t-il, je découpais, je faisais, j’inventais. » Ses premières créations, empreintes de poésie et d’humour, renvoient tout autant au minimalisme de l’Arte Povera qu’au néobaroque du studio Memphis.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eBijoux, mobilier, sculpture, peinture, l’univers de Pucci ne connaît pas de frontières, hormis celles de sa propre ima- gination. Sous sa main, les matériaux les plus modestes sont transcendés et deviennent des créations aussi fortes visuellement que fonctionnelles. Régulièrement exposé à partir de 1985 à Paris et New York à la galerie Néotù, fondée par Pierre Staudenmeyer, il réalise notamment l’aménagement de la boutique Barbara Bui à Paris, ou encore d’un palais à Venise. Exposé dans les années 1990 à la galerie Downtown, il collabore en 1994-1995 avec le CIRVA à Marseille.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eJacques-Antoine Granjon, un de ses plus grands collectionneurs, lui a commandé, peu de temps avant sa mort, le dessin de la façade du siège social de Vente-privee.com à La Plaine-Saint-Denis. Baptisée Vérona, la peau de métal recouvrant la façade, inspirée d’un dessin de Pucci de Rossi, lui rend aujourd’hui hommage.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e• 22 x 28 cm\u003cbr\u003e • 352 pages\u003cbr\u003e • 900 illustrations\u003cbr\u003e • Couverture brochée avec jaquette\u003cbr\u003e • ISBN : 978-2-9155-42936\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352778063929,"sku":"978-2-9155-42936","price":50.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/6c436518b6c560ac7cb267c70d583cc9.jpg?v=1523035215"},{"product_id":"paris-ile-de-la-cite-2040","title":"Paris Ile de la Cité 2040","description":"\u003cp\u003eCentre historique de la capitale, l’île de la Cité abrite notamment l’Hôtel-Dieu, la cathédrale Notre-Dame de Paris, la Sainte-Chapelle, le Palais de justice ou encore le marché aux fleurs. Le noyau de Paris reste pourtant un endroit méconnu, en décalage avec son statut de cœur de métropole.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDepuis décembre 2015, Dominique Perrault, architecte de la Bibliothèque nationale de France site François-Mitterrand et du ré- aménagement du pavillon Dufour du château de Versailles, associé à Philippe Bélaval, président du Centre des monuments nationaux, ont initié une réflexion pour repenser l’île de la Cité à l’horizon 2040. Comment moderniser ce site classé à l’Unesco et aujourd’hui délaissé par les Parisiens pour y insuffler de la mobilité et de la vie ?\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eS’appuyant sur des documents d’archives, des croquis, des gravures, des cartes et des photographies, le livre met en valeur les différents projets de réaménagement de l’île imaginés au cours de l’histoire, tout en s’interrogeant sur son rôle actuel. Pour réintégrer ce site hors du commun dans la ville de demain, Dominique Perrault et Philippe Bélaval imaginent trente-cinq pro- positions qui lui redonnent une place centrale, notamment grâce à la mise en valeur de son patrimoine exceptionnel, à une refonte de la circulation entre ses différents centres de gravité, et à l’exploitation de ses sous-sols et de ses fondations comme de ses voies sur berges. \u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e• 25 x 30,5 cm\u003cbr\u003e • 288 pages\u003cbr\u003e • 250 illustrations\u003cbr\u003e • Couverture cartonnée \u003cbr\u003e • ISBN : 978-2-9155-42936\u003c\/p\u003e","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352778162233,"sku":"978-2-3766-60118","price":40.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/aaf8fc24d074ec7ae96acd9dbcd0181d.jpg?v=1523035217"},{"product_id":"jacques-majorelle","title":"Jacques Majorelle","description":"\u003cp\u003eFils de l’ébéniste nancéen Louis Majorelle, le peintre Jacques Majorelle (1886-1962) est une figure marquante de l’orientalisme. Découvrant Marrakech en 1917, il est fasciné par la lumière et les éclatantes couleurs de la ville comme par ses habitants. Il s’établit tout d’abord villa Bou Saf Saf, puis dans la villa cubiste conçue par l’architecte Paul Sinoir, qui abrite aujourd’hui le musée berbère de la Fondation Jardin Majorelle.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDurant près de quarante ans, il peint sans relâche les différentes ambiances de souks, les scènes de la vie quotidienne ou la beauté singulière des modèles venus poser chez lui. Ses nombreux voyages dans les kasbahs de l’Atlas et les autres villes du Maroc lui permettent de restituer toute la richesse des paysages, architectures et marchés, ou des cérémonies dont il est le témoin privilégié.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDans les années quarante, la découverte de l’Afrique subsaharienne provoque un renouvellement esthétique et chromatique qui accompagne toute son oeuvre jusqu’à ses dernières créations.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003ePrix Méditerranée du livre d'art 2018\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e• 23 x 30,5 cm\u003cbr\u003e• 352 pages\u003cbr\u003e• 1400 illustrations\u003cbr\u003e• Couverture cartonnée\u003cbr\u003e• ISBN : 978-2-37666-0088\u003c\/p\u003e","brand":"Félix Marcilhac et Amélie Marcilhac","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352778293305,"sku":"978-2-37666-0088","price":65.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/1ae09d6f81c106171b2362e20af212c8.jpg?v=1523035219"},{"product_id":"globes-architecture-et-sciences-explorent-le-monde","title":"Globes. Architecture et sciences explorent le monde","description":"\u003cp\u003eReprésenter le monde, la planète et le cosmos est l’une des plus grandes utopies de l’architecture.\r\nQuatre-vingt-dix projets répartis de l’Antiquité à nos jours permettent de raconter une double histoire : comment les architectes participent, aux côtés des géographes, astronomes, mathématiciens et artistes, à la découverte de la Terre et du ciel, et à leur représentation. Et comment, en retour, la forme du globe hante l’architecture, ses humanistes et ses utopistes, d’Étienne-Louis Boullée, Claude Nicolas Ledoux ou Alfons Mucha à George Lucas ou Rem Koolhaas. \u003c\/p\u003e\r\n\u003cp\u003eRichement illustrés par une documentation en grande partie inédite, ces projets atypiques sont accompagnés d’approfondissements menés par des spécialistes de différentes disciplines, de l’anthropologie à la science-fiction, visant à montrer l’architecte comme témoin et acteur de la découverte du monde. \r\n\u003c\/p\u003e\r\n","brand":"vendor-unknown","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":7352779243577,"sku":"978-2-37666-0101","price":45.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0019\/5913\/3241\/products\/b31cea85839a85b50801b13dfc0e9328.jpg?v=1523035224"}],"url":"https:\/\/www.editions-norma.com\/collections\/nouveautes.oembed?page=8","provider":"Editions Norma","version":"1.0","type":"link"}